В Государственном музее искусств РК им. Әбылхана Қастеева готовятся к открытию персональной выставки Заслуженного деятеля РК Ахмета Ахата «Память моего сердца», приуроченной к 70-летнему юбилею известного уйгурского художника.
Выставка откроется 2 августа, представляя около ста произведений созданных Ахметом Ахатом в период с 1980-х годов по настоящее время. Экспозиция включает ранние графические серии такие как «Земля и Вселенная», «Ученые», «Табаководы», «Агрессия». Большой интерес вызывают работы, выполненные по мотивам восточных эпических сказаний, поэм, героического эпоса и истории уйгурского народа. Графика Ахмета Ахата демонстрирует высокий технический уровень художника в области литографии, офорта, монопринта и линогравюры. Значительную часть экспозиции занимают живописные произведения мастера. Яркие декоративные композиции наполнены глубоким философским содержанием, Ахмет Ахат стремится передать особую атмосферу древних восточных городов, запечатлеть богатую историю, традиции и быт тюркских народов. Наскальные росписи Тамгалы, притягивающие своей загадочностью, буддийские пещеры Турфана изображаются художником в форме красочных сказаний и аллегорий, посредством символических и метафорических образов.
Применяемый Ахметом Ахатом художественный язык сугубо индивидуален, в нем совмещаются пластическая и цветовая обобщенность, заостренное внимание к выразительным деталям, тонким градациям тонов, отдельным предметам и образам. Тем самым автору удается создать целостную по структуре, гармоничную по форме, и конкретную по своей содержательности картину мира художника.
В экспозицию выставки также вошли скульптурные произведения Ахмета Ахата, которые представляют собой насыщенные символическим содержанием керамические композиции.
«Выставка является своеобразным подведением итогов и демонстрацией достижений Ахмета Ахата в различных областях его творчества, экспозиция свидетельствует о непрекращающихся поисках художника на пути постижения и осмысления окружающего его мира. И сегодня известный художник продолжает активно работать и участвовать в художественной жизни Казахстана, международных творческих проектах, совершенствовать свое мастерство ставить и успешно решать максимально высокие творческие задачи», — отмечает Амир Джадайбаев, ведущий научный сотрудник отдела «Изобразительное искусство Казахстана» ГМИ РК им. Әбылхана Қастеева.
Ахмет Ахат родился в 1954 году в городе Кульджа, КНР. В 1974 году окончил художественно-графический факультет Алма-Атинского педагогического института имени Абая. Член Союза художников РК с 1988 года. В 1990 году окончил аспирантуру Института востоковедения АН РК. Удостоен Золотой медали на международной выставке «Азия Арт» (Ташкент,1995). Заслуженный деятель РК с 2004 года. Лауреат премии «Ильхам». Академик Академии художеств РК с 2020 года.
Уже который год подряд мы замечаем, что лето — один из самых активных выставочных сезонов в Алматы. Несмотря на жаркую погоду, музеи, галереи и арт-пространства предлагают гостям и жителям города насыщенную художественную программу. Исследования городской памяти, литография Дали, монументальная войлочная работа, арт-терапия — эти и другие выставки смотрите в традиционной подборке Art of Her.
Групповая выставка «Память: распаковка» в Dump Gallery
В экспозиции представлены работы участников одноименной школы, организованной [не]музеем архитектуры в партнерстве с театром-студией «Дом культуры» при поддержке Archcode Almaty и Dump Gallery. Посетители увидят групповые и индивидуальные проекты, основанные на результатах исследований городской памяти с применением практик дрейфа, сайт-специфик перформанса, ментального картирования, и других практик, освоенных во время школы.
Когда: со 2 июля по 10 июля 2024 года.
Адрес: ул. Панфилова, 101 (Dump Gallery).
Вход свободный.
Персональная выставка Интизор Отаниёзовой «Intersection Intizor» в Egin Art Space
Intersection Intizor – выставка-притча о том, как сложные системы воспроизводят себя через пространство игры, про случайность и системность решений влияющих на человеческие жизни, кризис формы и содержания, а также социологию детских и взрослых игр. Рассказывая историю ассоциаций и ощущений Интизор работает с личным опытом не пуская в него большие доминирующие нарративы все дальше автоматизирующие мир и сообщества в нем. Детская комната – безопасное место с одной стороны являющееся укрытием, а с другой, местом в которое можно сбежать.
Когда: с 4 июля по 4 августа 2024 года.
Адрес: ул. Нурмакова, 79 (Egin Art Space).
Вход свободный.
Персональная юбилейная выставка Бахтыбека Талкамбаева «Новая эра» в Государственном музее искусств им. Ә. Қастеева
Бактыбек Талкамбаев — доктор наук и искусств по международным стандартам ЮНЕСКО, деятель культуры РК, обладатель 34-й в мире медали LEONARDO DA VINCI за выдающийся вклад в развитие изобразительного искусства, профессор арт-терапии. С 1981 года член Союза Художников СССР, ныне член Союза художников Казахстана. На юбилейной выставке будет представлено более 80 работ художника.
Когда: с 9 июля по 30 июля 2024 года.
Адрес: мрк-н. Коктем-3, 22/1 (ГМИ РК им. Ә. Қастеева).
Вход платный.
Персональная выставка Гульнур Мукажановой в Aspan Gallery
Гульнур Мукажанова – молодая художница из Казахстана, проживающая в Берлине (Германия). На выставке будет представлено крупнейшее произведение Мукажановой из войлока ручной работы, созданное специально для её выставки в бывшей текстильной фабрике, ныне арт-пространстве Mill6CHAT, в Гонконге в 2023 году. Это монументальное полотно длиной более 16 метров будет впервые показано в Казахстане. Также на выставке будет представлена новая серия работ, состоящая из длинного войлочного полотна, разделенного на части.
Когда: с 24 июля по 22 сентября 2024 года.
Адрес: пр. Аль-Фараби, 140 (Aspan Gallery).
Вход свободный.
Выставка литографий Сальвадора Дали в Esentai Gallery
Сальвадор Дали, знаменитый художник-сюрреалист, с его экстравагантной личностью и причудливым художественным стилем, остается одной из самых влиятельных и противоречивых фигур в истории искусства. Его работы закрепили за ним славу одного из самых влиятельных деятелей искусства XX века. На выставке представлены работы Дали из серий «Кармен» и «Приключения Алисы в Стране Чудес», ставших заветной мечтой коллекционеров со всего мира.
В алматинском Музее имени Абылхана Кастеева проходит выставка трёх современных турецких художников Онура Мансиза, Халиля Петука, Амина Мете Эрдогана «Цикл: исследуя современное». Экспозиция во многих смыслах экстраординарная, как в предложенном авторами контексте, так и в формах изложения. Здесь собраны работы, транслирующие представления ее участников о природе и истории, следуя традиции великого Леонардо да Винчи, впервые соединившего в себе науку и искусство. Эта своеобразная оптика видения, безусловно, создала у наших зрителей непривычные художественные впечатления, что побудило непроизвольные желания достучаться до необычайных предлагаемых мессенджей художников.
О том, почему важно посетить выставку «Цикл: исследуя современное» и что говорят нам работы современных турецких художниках рассказывает искусствовед Мария Жумагулова.
Сама их заявка предполагает особый ракурс восприятия их произведений, в которых происходит синхронизация двух начал: рационального и иррационального, интуитивного и материального. Это тот случай, когда искусство — не только приятный «десерт» эстетического порядка, а когда оно воздействует и на наш мозг, апеллируя к знаниям о прошлом человечества. Таким образом в их интерпретации как бы рождается новая реальность, которую предстоит осмыслить. Референция в прошлое — не самоцель художников. Это было бы слишком просто. Мы живем в довольно сложном мире, на разломе эпох, когда по точному выражению известной ученой Татьяны Черниговской «Мы — не в состоянии прогресса, скорее — регресса» и человечеству в такой турбулентной фазе предстоит задуматься о своём будущем, а оно невозможно без оглядки в прошлое.
Импонирует позиция авторов, что они избрали поливариативное сочетание, когда чистое искусство-барометр эмоциональных состояний и наука, которая сводит все к организующему прагматическому началу. Это, пожалуй, самый адекватный путь в исследовании первозданных смыслов истории человечества и определения перспектив развития. Иногда прошлая жизнь кажется легендой и посему необходимо объективно окунуться в архив памяти. Так вырабатывается историческая позиция, но не без поэтического осмысления. Таким образом Эмин Мете Эрдоган сумел создать новое художественное объемное пространство с собственным пониманием эволюции человечества. Оно прошло непростой путь, где неизменно присутствуют, как факторы отрицательной селекции, так и безусловный прогресс, особенно в современном мире, столь насыщенном беспрецедентными открытиями науки и технологий. Отсюда так явственны посылы художников, чтобы мы в своей эйфории достижений не оторвались совсем и безвозвратно от природы, которая безмолвно пытается до нас достучаться. Связь времён и земного пространства становится все более дисгармоничной. Нарушена энергетическая вибрация естественного начала и это особенно тревожно в момент просто пугающего развития искусственного интеллекта…
Работа Эмина Мете Эрдогана воспринимается как скульптурный горельеф в круге, но с использованием необычных материалов и технологий. И тут как раз уместно поговорить: в каком же направлении искусства представлены эти произведения. Данная выставка притягательна вот этой самой интригой, которая непременно возникает у созерцающих зрителей. Нынче искусствоведы всего мира зачастую даже отказываются давать названия существующим стилям и направлениям, настолько велико их количество; возникают новые; зачастую они синкретичны, отказываясь от общепринятой чистоты приемов, а тем более, технологий. До сих пор не утихли дискуссии вокруг стиля гиперреализма, от принятия до полного отрицания. Полагаю, уложить представителей этого направления в «прокрустово ложе» — путь в никуда. Тесная связь фотографии и живописи приводит к замешательству: а искусство ли это?! На этот вопрос, по-моему, вразумительно ответил Анри Матисс: «Живопись не умерла после фотографии, наоборот — она даёт свободу». Да, гиперреализм стремится к максимальной достоверности. Отсюда — неоднозначность отношения. Таких художников часто не допускают к выставкам, конкурсам; с другой стороны — они собирают толпы зрителей, их охотно коллекционируют меценаты. Разница в том, что в лучших образцах всегда очевидна концепция, а не расчёт на внешний эффект. Так вот в представленных работах просматриваются все очевидные признаки гиперреализма, в каждом случае глубоко индивидуально в зависимости от задачи, которая стоит перед каждым автором.
Использование полимерных материалов в гиперреализме далеко не является новшеством. Но в данном случае автор далёк от механического обращения к этому материалу. Он находит остроумное решение, используя выброшенные синтетические детские игрушки со свалки. И они явились органичным материалом для передачи истории человечества, начиная со времён палеолита. Близкая связь наших далеких предков и гармоничное сосуществование с живой природой — флорой и фауной, как единое целое Земли. Здесь анималистическое и антропогенное начала настолько близки и взаимосвязаны, как оно и было в древнем мире. Скульптору удалось найти именно такое изобилие животных, как реликтовых, давно исчезнувших, так и нынешних. Прообраз эволюции человечества, как в физическом, так и духовном плане очевиден. Эмин Мете Эрдоган помещает композиции в круг, прообраз земли и как самую гармоничную геометрическую фигуру. Такая реалистичность образов и неожиданность использованных материалов, непривычная раскраска — в этом фишка, своеобразный спецэффект этих произведений. Художник создал собственную мифологию, рассчитанную на обратную связь со зрителем, приглашая его к собственным размышлениям.
У Онура Мансиза рефлексия на современный мир через искусство портрета, также в самобытном прочтении. Можно подразумевать что это живописная копия фотографии. На самом деле, все гораздо сложнее. Автор не ограничивается точным повторением реальности, а скорее создаёт ее иллюзию с трансляцией собственного отношения к ней. В противном случае здесь не о чем рассуждать. Использованные приемы вполне типичны: применение аэрографа с сохранением фотоизображения, живописи с достижением ожидаемого сходства модели. Но это вполне осмысленный процесс, где явственно обозначено целеполагание художника. Он создаёт как бы третью реальность, где прослеживается собственная мифология вкупе с собственным инструментарием. Изображённые модели вполне конкретизированы, исключая одну с завязанным лицом. Для автора здесь интересна не столько конкретная личность (хотя они вполне узнаваемы), сколько их трансляция как некоего объекта. И в этом эти произведения как бы пересекаются и с сюрреалистическим дискурсом, то есть важнее не отражение модели, как таковой, а впечатление, создаваемое ею. Портрет женщины с закрытым лицом с очевидным подтекстом, который предстоит разгадать зрителю. Здесь уже существенную роль играют детали фона: как-то целая система линий, напоминающая структуру ДНК и адресующая нас к сложным размышлениям о природе личности; трансформации в социуме; генетической предрасположенности; связи с историческим прошлым ее этноса…
В композиции превалирует динамичное решение, создающее атмосферу некоего беспокойства. Остальные портреты также являют собой довольно сложные мыслеформы художника при всей их внешней привлекательности. В них отмечается тщательная живописная проработка с реалистической достоверностью, приближающей их к искусству фотографии; красота цвета в синтезе с декоративно-условной свето-теневой моделировкой; изяществом линейного рисунка. И все же он не ограничился просто фиксацией образов. Здесь подчёркнутая внешняя статичность моделей вовсе не обозначает их спокойное внутреннее состояние. Как и свойственно гиперреализму, о квинтэссенции чувств могут говорить только некоторые весьма выразительные детали: взгляд, поза, ракурс, акцент на каком-то аксессуаре…
Художник Халиль Петук демонстрирует нам третье состояние реальности. Это черно-белая живопись, создающая удивительную магию как бы тающего воспоминания, ощущение некой недосказанности, ностальгию по чему-то бесконечно ценному и безвозвратно уходящему.
Автор пишет живописную композицию пейзажа, которая затем смазывается, создавая вибрации, действующие на сознание и эмоции зрителей. Это нечто большее, нежели обычное изображение. Художник балансирует между искусством и реальностью и побеждает подразумеваемый смысл произведения. Он создаёт новую реальность не для эстетического эффекта, хотя, в первую очередь, именно это бросается в глаза зрителям. Природа, с которой мы были связаны пуповиной во времена детства человечества, уплывает, как мираж — безвозвратно.
«Жизнь вяжет свои петли только по нарастающей и никогда не возвращается, чтобы заштопать разрыв», — по-моему очень точно подходит к концепции трио авторов, глубоко сопереживающих ситуацию неизменно теряющейся связи времён и постепенного отрыва человечества от естественной среды. И эта аморфность общества приведёт непременно к деструктивным явлениям. Как проницательно заметил журналист Виктор Шендерович: «Иногда события происходят поперёк исторического потока», — и в этом их потенциальная опасность. Гости из Турции предложили нам свой творческий интересный кейс со своими мировоззренческими включениями, заслуживающий нашего неравнодушного адекватного восприятия.
Выставка «Цикл: исследуя современное» открыта в Государственном музее искусств РК им. А. Кастеева до 7 июля.
Казахстанская художница Мария Салагдинова(Mary Blacktea) приняла участие в виртуальной выставке проекта The Kult Talk«Yesterday, today and tomorrow», в рамках которой объединились художни_цы со всего мира в исследовании вечной темы времени. Экспозиция представляет собой работы молодых автор_ок из Казахстана, Израиля, Беларуси, Великобритании и Грузии, созданные в период с 2019 по 2024 года. Всех их объединяет чувственное отношение и видение окружающей действительности, которую они не просто воспроизводят, а осмысленно пропускают через себя.
Особое внимание в виртуальной выставке уделяется трем картинам Марии Салагдиновой: «Момент», «Медуза» и «Метро».
Художница родилась и выросла в Алматы, Казахстан. С ранних лет она проявляла интерес к различным творческим направлениям — музыке, литературе и кино. Наиболее прочную связь она нашла в изобразительном искусстве. Желание освоить технические аспекты рисунка со временем трансформировалось в стремление создавать уникальные работы, чтобы передать мирские послания через свои картины. Её произведения отражают реальную жизнь и её нюансы, акцентируя внимание на деталях, которые заслуживают особого внимания.
Изучение времени в искусстве Марии Салагдиновой происходит через глубокую визуализацию переживаний и моментов.
«Для меня время – основа постоянных переживаний. Оно абсолютно безжалостно и быстротечно, но его так хочется поймать и растянуть. Столько всего в жизни хочется изучить, попробовать, успеть, но время – это фактор, который постоянно приходится учитывать. Поэтому я так сконцентрирована на том, чтобы замечать мельчайшие детали, ведь если научиться их ценить, можно попробовать справиться с концепцией времени», – рассказывает художница.
Её цель в работах — запечатлеть те детали жизни, которые окружают нас каждый день, но часто остаются незамеченными. Произведение под названием «Метро» (2023, карандаш) вдохновлена реальной ситуацией, с которой художница столкнулась в вагоне метрополитена. Однажды она наблюдала за двумя мальчиками, увлеченно что-то обсуждающими в телефоне и сидящими в почти ренессансной позе. Рядом, ухмыляясь, парень подглядывал в тетрадь девочки, которая, возвращаясь домой из школы, делала домашнее задание. В другом месте вагона девушка пыталась наверстать упущенные минуты сна, в то время как её соседка, погруженная в свой телефон, упускала эту живую сцену. В повседневности можно найти много магии и успокоения, если уметь внимательно наблюдать.
Мария Салагдинова(Mary Blacktea), «Метро», 2023 г. Фото: The Kult Talk
В работе «Момент» (2022, карандаш на бумаге) художница использует карандаши, засушенные бабочки и гипсовые черепа, чтобы поставить перед зрителем вопрос о вечности момента и возможности искусства остановить время. Завершает серию картина «Медуза» (2023, гуашь на бумаге), представляет собой сюрреалистическую композицию, которая исследует иллюзию восприятия и призывает зрителя взглянуть за поверхность явлений, подчеркивая искажение реальности и множественность точек зрения.
Мария Салагдинова(Mary Blacktea), «Медуза», 2023 г. Фото: The Kult Talk
Мария Салагдинова(Mary Blacktea), «Момент», 2023 г. Фото: The Kult Talk
Выставка под кураторством Натальи Андреевой объединила художни_ц различных возрастов и национальностей, предлагая зрителям размышления о феномене времени в контексте современного искусства. Как часто, гуляя по залам музеев, мы задумываемся о том, что время не бесконечно?
«Порой в суете современности мы забываем, что у всего есть срок и что возможности времени ограничены. Осознав это, начинаешь по-новому ценить окружающий мир. И как раз выставка «Yesterday, today and tomorrow» напоминает нам о ценности каждого мгновения», — делится Наталья.
В выставке также приняли участие: Kate Shi и Дарья Прохорова (Беларусь), Елена Калман (Великобритания), Мария Горюнова (Грузия), Анна Рудько и Андрей Чибисов (Израиль) .
Проект «Yesterday, today and tomorrow» доступен на сайте The Kult Talk до 1 июля 2024 года.
Медина Базарғали — художница нового поколения. В своих работах она иронично показывает современную реальность, которая существует в эпоху Интернета, цифровизации, глобализации и деколониальности. Художница и программистка отмечает, что патриархат, капитализм и империализм — это симбиоз, где одно невозможно без другого.
8 марта в культурном пространстве Egin (Алматы) открылась дебютная персональная выставка Медины «Jelilik dala/Сетевая степь». Она состоит из семи проектов, которые исследуют цифровую революцию, сопротивление и осмысление патриархата и капитализма, казахскую идентичность и деколониальную оптику. Это становится возможным через кодинг, видео, визуальное программирование, звук и войлок.
Авторка Art of Her Мари Романова поговорила с Мединой Базарғали чтобы узнать, как пришла идея создать «Сетевую сеть», почему художницу не привлекают традиционные формы искусства и как выражать себя через творчество в современных реалиях.
О том, как пришла к цифровизированному искусству
Я родилась в семье художников, и с младенчества ходила на открытия выставок. В подростковом возрасте столкнулась с тем, что меня ничего не восхищало из того, что я видела. Мне нравились точные науки, а в средней школе стала изучать робототехнику и программирование. Говорила всем, что буду программистом и никогда не пойду по стопам родных. Тогда мне казалось, что все искусство производится с помощью традиционных, скучных медиумов.
В 16 лет довелось побывать на выставке Artists and Robots (2017 год — прим. ред) в Астане. Там были выставлены работы художников, которые используют в своем творчестве визуальный код, алгоритмы, программное обеспечение и звук. Именно в тот момент я по-настоящему заинтересовалась искусством и поняла, что можно работать не только традиционными методами, чтобы производить смыслы. Вдохновившись, я сразу подала заявку в Школу Художественного жеста и начала свою практику. Искусство позволило мне получить доступ к тем частям меня, о существовании которых даже не знала.
Медина Базарғали, «Alienation of History», 2019
О том, как пришла идея создать «Сетевую Степь»
Я думаю, что каждый молодой художник мечтает о персональной выставке. В начале мне не хватало уверенности в себе – не люблю, когда ко мне проявляют повышенный интерес. Комфортнее тихонько делать то, что нравится. Но меня мотивировали и поддержали друзья из Олар (Олар Коллектив — кураторы выставки «Сетевая степь»; независимый, анонимный, центрально-азиатский, квир коллектив молодых кураторок, художниц и эксперт_ок новых медиа — прим. ред). На любые сомнения они говорили, что верят в меня. Это большая удача, когда рядом есть такие люди.
За шесть лет работы у меня появилось большое количество произведений – намного больше, чем представлено на «Сетевой Степи». На название выставки вдохновила статья исследовательницы Айнаш Мустояповой «Иерархия vs Сеть или Номадизм XXI века» из книги «Деколонизация Казахстана» (2022). В ней она сравнивала гетерогенную, горизонтальную, – как социальную и политическую, так и культурную, – систему степей в доколониальное время с децентрализованной структурой Интернета.
Вид на экспозицию «Jelilik dala/Сетевая степь», Алматы, Egin Art Space, 2024. Фото: пресс-служба Egin Art Space
Вид на экспозицию «Jelilik dala/Сетевая степь», Алматы, Egin Art Space, 2024. Фото: пресс-служба Egin Art Space
Вид на экспозицию «Jelilik dala/Сетевая степь», Алматы, Egin Art Space, 2024. Фото: пресс-служба Egin Art Space
Вид на экспозицию «Jelilik dala/Сетевая степь», Алматы, Egin Art Space, 2024. Фото: пресс-служба Egin Art Space
Из статьи становится ясно, что в кочевых сообществах не было жесткой иерархии, а принятие важный решений, как и лидерство, распределялись между людьми и/или группами. По такому принципу сегодня работает Интернет. У него нет центрального органа, который мог бы контролировать потоки информации. Вместо этого он полагается на децентрализованные сети и контент, созданный пользователями.
Мне понравилась эта связь. Она дает представление о том, что люди имеют навык и потребность к организации и распределению власти как в физическом, так и виртуальном пространстве. В «Сетевой Степи» пыталась передать и соединить множество смыслов. Не знаю, получилось ли. Наш народ пережил очень много боли, а вся история пропитана насилием и сложностями. Я чувствую травмы моих предков. Но считаю, что сейчас у нас есть свобода, хоть и дискуссионная, за то, чтобы быть любыми новыми казахами и казахстанцами.
Медина Базарғали, «Decolonization of Kurt», 2018
О выражении себя через искусство
В нашей реальности столько же смысла, сколько и неясности. И я хочу что-то понять в этом хаосе, стремлюсь найти баланс между рациональностью и эмоциями. Иногда мне очень сложно использовать вербальные методы для того, чтобы выразить свою боль, и я на самом деле очень счастливый человек, что имею такой набор скиллов, который позволяет мне создавать пространства, где я могу быть тайно уязвимой. Есть что-то мощное в возможности выражать себя без объяснений и оправданий.
Каждая практика дает мне возможность обработать свои эмоции так, чтобы они казались реальными: рисую ли я, валяю войлок, программирую, экспериментирую или импровизирую. Путь исцеления никогда не бывает легким – бывают моменты, когда я чувствую себя подавленной. Однако благодаря искусству я нашла способ быть с этими чувствами не убегая и не заглушая их.
Большинство работ, которые представлены на «Сетевой Степи», я делала давно. Я работала над ними не для показа, а просто для себя в моменты, когда было много свободного времени. Некоторые из работ были созданы в моменты безысходности и депрессии. Специально для «Сетевой Степи» повторила и немного изменила текемет, который делала в октябре 2023 года в резиденции специально для фестиваля Untitled в Тбилиси. Первый текемет создавался в рамках перформанса с моей подругой из Украины Настей Хрючковской. В последствии я подарила работу ей, чтобы он ее оберегал. Текемет-транспорант, который представлен на выставке, готовила к Маршу 8 марта. Когда еще было неизвестно случится марш или нет, я решила, что хочу поместить на текемет эти слова: «Бейотар бейбинарлы бейбіт болашақ үшін» (Ради деколониального, небинарного, мирного будущего). Так, он даже получился в два раза больше, чем первый.
Медина Базарғали, первый текемет «Бейотар бейбинарлы бейбіт болашақ үшін», 2023
О патриархате, деколониализме, капитализме и технологиях
Интерес к этим темам отражается в работах через изучение их следов в моей жизни. Признаю, что вынуждена существовать в контексте этих систем. Исследование патриархата, колониализма/империализма и капитализма означает анализ их симбиоза. Я считаю их взаимосвязанными и фундаментальными элементами друг для друга. Они не изолированы и действуют как слаженные системы, влияющие на мою повседневную жизнь. Капитализм на протяжении всей истории демонстрировал выдающуюся адаптивность. И это учитывая глобально растущее недовольство.
Политические системы используют разработки для контроля и угнетения общества. Понимание их принципов работы необходимо для сопротивления и защиты наших свобод. Важно осознавать, что технологии могут быть и освободительными, и революционными, но не стоит исключать и злоупотребление властью. Как, например, в Китае, где используются автоматизированные алгоритмы распознавания лиц и технологии искусственного интеллекта для мониторинга и отправки людей в концентрационные лагеря. Похожие системы уже применяются на митингах в СНГ. Они используются под лозунгом «заботы и защиты» граждан, но на самом деле мониторинг и подавление.
Я осознаю себя как деколониальную феминистку, а значит признаю необходимость борьбы за освобождение от существующей триады. Важно хотя бы знать, как эти системы работают, чтобы противостоять им. Потому что одним из способов избегания манипуляций становится знание. Например, по этой причине я проводила мастер-классы по созданию DIY-киберинструментов для защиты от распознавания лиц.
О дальнейших планах
Их много, но нужно выживать в капитализме. Я сделала эту выставку еще потому, что хочу закрепиться как художница, прежде чем начну работать, чтобы поесть. У меня много идей для проектов, но часто приходится выбирать между искусством и заработком. Хоть я и вижу искусство смыслом моей жизни, в нынешней реальности оно пока является моим хобби.
Обложка материала: портрет Медины Базарғали. Фото: Fahri Tarhan.
В Алматы в Доме офицеров проходит персональная выставка Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным», организованная Центром современной культуры «Целинный». Название этого цикла работ напоминает о советском космическом проекте «Буран» (1988), который отправился в космическое пространство, «…предназначенный для экспорта и транспортировки идей революции и нового человека во все галактики вселенной». Однако, амбициозному плану не суждено было сбыться, а корабль остался ржаветь на космодроме.
Переосмысленные произведения художника, ранее знакомые зрителям с предыдущих выставок, приобрели новое дыхание в помпезном Мраморном зале Дома офицеров.
Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.
Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.
Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.
Ербосын Мельдибеков – мультидисциплинарный художник и скульптор, который на протяжении многих лет вкладывает свои усилия в развитие искусства в Казахстане. Он исследует прошлое и настоящее не только своего народа, но и события и следы советского прошлого на карте Центральной Азии. Темы, которые художник исследует через призму своего восприятия, прямо отражены в его работах. В современных реалиях они служат средством самоопределения казахстанского искусства как части чего-то большего.
Визитной карточкой выставки стала серия работ «Падение автора», органично вписанная в общую тему, предложенную художником. Фигура, выполняющая движения в воздухе, с последними силами сопротивляется гравитации, но, тем не менее, поддается ей – полноразмерная работа, которая не оставит равнодушным ни одного зрителя.
Ербосын Мельдибеков рядом со своей инсталляцией «Падение автора» в Дом офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.
Ранее известная фотография «Брат мой, враг мой», вызывавшая неоднозначные реакции в 2001 году, превратилась в бронзовую инсталляцию «Прощай, брат!».
«Прощай брат!» – работа-отчаяние, работа-поражение. Реальность оказалась мрачнее самой черной, иррациональной, хтонической фантазии. Мир стал невозможней невозможного», – поясняет работу художника Дастан Кожахметов, куратор выставки.
Художественный язык Ербосына Мельдибекова многообразен, всегда точен, хлесток и узнаваем. Саркастическая и критическая тональность в его работах передает не всегда радужные реалии его соотечественников, и тем не менее дарит надежду на то, что через время это можно будет «перевернуть» под нужным углом.
Деконструкция и демифологизация традиционного мировоззрения – принципы работы Мельдибекова, который трансформирует идеи и события прошлого, выплавляя их из бронзы, помещая в телевизоры, проводя всевозможные манипуляции снимает «пелену» с глаз. Эта выставка – поэтическо-сатирический полет в мир разрушенных иллюзий, в мир, где попытки создать «светлое будущее» напоминают деформированную раковину.
Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.
Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.
Отметим, что выставка «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» получила в целом положительные отзывы арт-экспертов, в очередной раз подчеркнув значимость современного казахстанского искусства и его способность вдохновлять и привлекать внимание культурных центров.
Персональная выставка Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» продлится до 1 марта 2024 года.
В 101 Dump Gallery проходит персональная выставка Антона Мариинского. Это первый выставочный проект художника-графика из Москвы в Алматы.
В экспозиции представлены 42 постера. С названием для выставки Антон Мариинский мудрить не стал и назвал ее «День сорока двух картинок». С одной стороны, выставка о форме, функции современной графики в пространстве, о том как изображение разговаривает с аудиторией сейчас. С другой — это ретроспектива работ иллюстратора за последние два года — время непростое и тревожное.
Все работы выполнены темным по белому. Тут и зонтики, и заводы, и канистры и автопортрет художника.
«Знаешь как появился жанр автопортрета? Художники хотели, чтобы публика знала как они выглядят. Они тоже хотели быть знаменитыми. Чтобы их узнавали на улице. На самом деле это ирония. Мой автопортрет — графическое приближение к анонимности», — рассказывает Мариинский.
Одиночество по мнению художника — часть жизни любого человека, а после мобилизации в России (21 сентября 2022 года в России была объявлена мобилизация в ходе военного вторжения России в Украину — прим. ред) оно вынужденно в его жизни усилилось: Мариинский переехал в Казахстан. Первые восемь месяцев он снимал квартиру в Астане.
«Было холодно, на день рождения один, новый год — один. 31 декабря я рыдал на полу в квартире пьяный и чуть не умер. Не хотелось правда умирать в панельной десятиэтажке. Когда я проснулся, сходил в мечеть, самую большую и самую красивую в Астане, это кайф», — делится художник.
Выпускник Московского Полиграфического института и Берлинского университета искусств занимается визуальной коммуникацией, то есть взаимодействием картинок и людей. Он разрабатывает логотипы и другие изображения, в том числе в онлайн-приложениях. Свое пристрастие к черному на белом он объясняет так.
«Провели исследование еще в начале двадцатого века и поняли, что люди реагируют исключительно на размер объекта — большое/маленькое. Это заложено в нас природой: большое — убегай, маленькое — догоняй. И за миллисекунды мы можем распознать расстояние до объекта. Цвет ты считываешь в пятую очередь, кстати много мужчин не распознают зеленый. Много дальтоников, но сейчас я учусь работать с цветом».
На алматинской выставке «День сорока двух картинок» есть и отражение личной жизни автора — например, на одном постере выполненном цифровой печатью портрет бывшей девушки, с которой Марииснкий был связан семь лет.
«Она не читает мои электронные письма. У нее очень красивые плечи, очень красивая грудь. Я больше всего ее за это любил, и мне тяжело было ее терять, и она всегда со мной. И тут у нее большая голова и очень удивленное лицо, оттого что вытворяю. Однажды я устроил эксперимент в пустом берлинском метро, и тогда стало понятно, что у нас не такое глубокое взаимопонимание. Если вы прожили жизнь, и не были в созависимых абьюзивных отношениях, то вы не прожили жизнь», — полагает Мариинский.
В Берлине иллюстратор выиграл конкурс для оформления приглашения на вечеринку мэра. Как выяснилось, каждый год градоначальник устраивает вечеринку в ратуше. Работы Антона Мариинского также отмечены наградами European Design Awards, инфографической премией Malofiej и опубликованы издательством TASCHEN. Когда то даже рисовал поэтажные планы атомных электростанций.
Переехать в Алматы Маринский решил в августе прошлого года, в Астане было очень жарко и мало зелени, да и знакомых оказалось больше в Алматы.
«Астана — это же бизнес город. Там многие озабочены тем, чтобы продать то, что нарисовали. А о том, что они нарисовали, говорят не так много. Это будет развиваться, просто пока город не заточен под это», — говорит Антон.
Персональная выставка Антона Мариинского «День сорока двух картинок» продлится до 10 февраля 2024 года.
Адрес: г. Алматы, ул. Панфилова, 101 (101 Dump Gallery).
График работы: вторник-воскресенье с 14:00 до 23:00.
Юбилейная выставка «Абылхан Кастеев. Наследие века» откроется 17 января в Государственном музее искусств РК им. А. Кастеева. Экспозиция будет состоять из более 300 живописных и графических произведений из коллекции музея. Об этом сообщает пресс-служба ГМИ РК им. А. Кастеева.
Созданные художником живописные и графические произведения можно с полным правом назвать художественной летописью Советского Казахстана. В них нашли свое отражение все значимые исторические события, произошедшие в республике в ХХ веке, кардинально трансформировавшие традиционный уклад жизни прежде кочевого народа.
Абылхан Кастеев родился 1 января 1904 года, в ауле Чижин Семиреченской области (ныне Джаркентский район Алматинской области), расположенном у подножия Джунгарского Алатау. После ранней смерти отца он помогал семье, работая пастухом. Природный дар художника у Кастеева стал проявляться с самого детства. Проводя долгие дни на пастбище наедине с природой, он стал вырезать из известняка различные фигурки и лепить глиняные поделки. Впервые Абылхан покидает родной аул в 1926 году, уехав в город Жаркент, откуда он в 1928 году попадает на одну из главных строек первой пятилетки Турксиб (Туркестанско-Сибирская железная дорога), где осуществлялась «пролетарская перековка» казахской аульной молодежи. Отсюда 25-летний Кастеев отправляется в город Верный (ныне Алматы) для совершенствования своих способностей. В Алматы в течение двух лет он занимался в художественной студии Николая Хлудова, овладевая основами рисунка и живописи. Под руководством талантливого педагога, Абылхан получил первоначальные навыки художественного ремесла, навсегда сохранив некоторую наивность, непосредственность и поэтичность восприятия окружающего его мира. К этому времени относятся такие произведения как «Колхозный той» (1937), «Доение кобылиц» (1936), в которых отображены перемены в жизни казахского аула в первые годы советской власти. В эти годы Абылхан Кастеев начинает работу над серией графических и живописных композиций, объединенных названием «Старый и новый быт». В 1940 году он участвует в Первом съезде СХ КазССР.
Абылхан Кастеев, «Колхозный той», 1937 г.
В период Великой Отечественной войны Кастеев работает в КазТАге, создавая плакаты и композиции на темы войны и труда колхозников в тылу. В 1942 году в Алматы состоялась первая персональная выставка Абылхана Кастеева, на которой экспонировалось 143 произведения художника. В 1944 году за воссоздание образа Амангельды Иманова впервые в республике Абылхан Кастеев был удостоен звания народного художника Казахской ССР. В творческом наследии Кастеева значительное место занимает портретный жанр. Написанные им портреты Шокана Валиханова, Жамбыла Жабаева, Амангельды Иманова, Гани Муратбаева отличаются выразительностью и стремлением выявить особенности характера человека и его внешности, представить личность в ее соотнесённости с историческими событиями и духом своего времени.
В 1950-60-е годы Абылхан Кастеев создал несколько акварельных циклов, таких как «Новый Казахстан», «На земле казахстанской», «Богатства Казахстана», «Земля и люди Казахстана», в которых он запечатлел масштабные экономические преобразования в его родной республике. Художник ушел из жизни в 1973 году, оставив после себя большое творческое наследие, большая часть которого находится в коллекции Государственного музея искусств РК, которому в 1984 году было присвоено его имя. Произведения Абылхана Кастеева также находятся во многих музеях и частных собраниях в Казахстане и за рубежом. Каждое произведение Кастеева — это вдохновенное повествование о родной земле и его людях, выражение его надежды на лучшую и счастливую жизнь своего народа, служению которому он посвятил все свое творчество.
В декабре Almaty Gallery отмечает свой свой первый юбилей – 5 лет! В честь этого события в художественной галерее 23 декабря открывается международная групповая выставка «Наслаждайтесь искусством!».
В экспозицию войдут работы 36 художников и художниц из Германии, Азербайджана, Грузии, Узбекистана, Южной Кореи, России и Казахстана. Всего в выставочном зале будут представлены около 70 произведений искусства. Это живописные картины, написанные маслом, акварелью, акрилом, это скульптуры и керамика, а также декоративно-прикладное искусство. Безусловное большинство составляют работы казахстанских мастеров и мастериц, среди которых: Заслуженный деятель искусств РК Жұмақын Қайрамбаев, Нелли Бубэ, Сакен Нарынов, Алексей Уткин, Решат Кожахметов, Гульжамал Тагенова, Оралбек Кабоке, Бауыржан Байдильда и другие.
«Своей основной задачей команда Almaty Gallery видит в популяризации искусства Казахстана, в возможности высказаться художникам, скульпторам на выставочной площадке галереи, организуя для них групповые и персональные художественные выставки. Almaty Gallery – это открытие новых имен и новых сторон современного искусства, это знакомство с работами мастеров Казахстана, мастерами ближнего и дальнего зарубежья и, конечно, Almaty Gallery – это приобщение к миру искусства подрастающего поколения», — говорится в пресс-релизе к выставке «Наслаждайтесь искусством!».
История первой государственной художественной галереи Almaty Gallery началась в декабре 2018 году с открытия выставки Санжара и Жанель Жубановых «Номадическое сердце». Первой руководительницей галереи была Кристина Бекмурзаева, которая сейчас возглавляет объединение Аlmaty Creative Bureau. С 2020 года Almaty Gallery возглавляет художница и искусствоведка Наргиз Алиб.
Только за последние три года галерея организовала более 40 выставок, в рамках которых проводились мастер-классы, арт-демонстрации и лекции по искусствоведению.
Групповая выставка «Наслаждайтесь искусством!» продлится до 31 января 2024 года.
В Алматы открылась выставка супругов Асель Кенжетаевой и Санжара Досмагамбетова «Опасные связи». Совместная экспозиция готовилась с октября этого года, но сегодня попала по актуальной болевой точке нашего общества. Максим Скопин специально для Art of Her выяснил, почему выставка тесно связана с контекстом последних событий в стране и каким новаторством она привлекает арт-экспертов.
Художница Асель Кенжетаева и скульптор Санжар Досмагамбетов в браке более 10 лет. Однако за это время у них не было совместных выставок. Впервые объединить их работы в совместной экспозиции решила куратор Валерия Ибраева.
«Опасные связи» — выставка о свободе женщины, а также о том, что этой свободе мешает и ограничивает её. В экспозиции представлена знаменитая серия картин Асель Кенжетаевой «The burning kelin (zhasau)» («Пылающая невестка. Приданое»). Впервые эту серию художница показала в Алматы на группой выставке «50 оттенков голубого» в сентябре 2020 года.
«В работах Асель изысканные колье и серьги, роскошные ткани, головные уборы и обувь, выписанные любовно и тщательно, тем не менее они душат и придавливают невесту, сковывают браслетами-кандалами, держат на месте тяжестью музейных пуговиц, увеличенных до гигантских размеров, обволакивают и заключают ее в довольно тесный овал богатого приданого», – рассказывает куратор Валерия Ибраева.
Серия работ «7УЯТOFF» Санжара Досмагамбетова — это семь разноцветных женских скульптор подвешенных к потолку и связанных в технике шибари — японское искусство бондажа при помощи верёвок. Получились экспериментальные произведения искусства: они вылеплены в свойственной мастеру манере, но очень воздушные и лёгкие. Впервые в Казахстане скульптуры напечатали на 3D принтере, да и в мире примеров подобного использования новых технологий пока крайне мало.
«Скульптуре как виду искусства 40 тысяч лет. Как правило, для их создания используются привычные материалы – глина, гипс, бронза и гранит. Хотелось попробовать что-то новое. Все скульптуры я лепил как акын — с натуры, с реальных моделей. У меня было 10-15 минут, из-за того, что девушки были в подвешенном состоянии. То есть вылеплены они были классически, а уже потом включилась 3D печать. От этого скульптуры ничего не потеряли, они — живые», — сказал Санжар Досмагамбетов.
Кроме этого, Досмагамбетов отмечает, что идею создать скульптуры с элементами шибари ему подсказал художник-иллюстратор Марат Дильманов, который уже шесть лет увлекается японским искусством бондажа — эстетического связывания.
«Опасные связи» удивительно попали в контекст последних дней, когда в казахстанском обществе на первый план вышла проблема прав женщин и насилия над ними. Самый резонансный случай – убийство экс-министром национальной экономики Казахстана Куандыком Бишимбаевым своей жены Салтанат Нукеновой. После убийства в столичном ресторане в стране вновь заговорили о необходимости криминализации побоев, чтобы резко убавить желание некоторых мужчин распускать руки на близких.
«Пожалуйста, не думайте, что это выставка конюъктурная. Она придумалась ещё в начале октября. Она не связана напрямую с убийствами, хотя… связана, потому что проблема с насилием над женщинами в Казахстане тянется давно», — сказала собравшимся гостям на вернисаже куратор Валерия Ибраева.
Интерес к выставке подогрет долгожданным возвращением Artmeken Gallery. Несколько лет судьба алматинской галереи оставалась под вопросом: в 2020 году им пришлось покинуть обжитое пространство на проспекте Назарбаева и искать новый дом. Выставка «Опасные связи» проходит в галерее Telly, которая предоставила свое пространство для нового проекта Artmeken Gallery.
Выставка Асель Кенжетаевой и Санжара Досмагамбетова «Опасные связи» продлится до 1 декабря 2023 года.
Адрес: г. Алматы, пр. Достык, 250 (галерея Telly).
