Автор: Акжаркын Кумарбаева

Almaty Museum of Arts заманауи өнер музейі Алматы тұрғындарына не сыйламақ? Бүгінгі таңда ол жайлы не білеміз?

Маусым айының 4-ші күні, Almaty Museum of Arts белсенді құрылыс жүріп жатқан алаңында баспасөз туры өтті. Музей боынша экскурсияны Almaty Museum of Arts музей қызметінің директоры Меруерт Қалиева, өнертанушы және музейдің көрмелерін үйлестіруші, заманауи өнер және мәдениет зерттеушісі, Маржан Алпысбаева өткізді.

Музейдің басты мақсаты – елімізде жай ғана бірегей кеңістігін құру ғана емес, оны қаланың барлық тұрғындары мен қонақтары үшін қызықты әрі қолжетімді ету. Алматы қаласының келбетінде Almaty Museum of Arts музейінің пайда болу жобасы қазақстандық кәсіпкер, меценат Astana Motors, Mega, Mycar қалаушысы Нұрлан Смағұлов себепші болды. Astana motors компаниясының бас директоры Бекнур Несипбаевтың айтуы бойынша, бұл музей әлемдегі музейлермен қатар туристтердің «Must visit» саналатын қаланың көрнекті орындарының бірі болып табылуы керек деп үміттенуде.

Сол үшін музей қазақстандық өнер топтамасын көбейтіп, көрермендерді халықаралық беделді көрмелерде өткізіліп жатқан заманауи өнер туындыларымен таныстыруды жоспарлап отыр. Аумақтың жалпы ауданы –1,84 га, ал музейдің өзі – 9000 м2. Ғимараттың дизайны Крис Лансбури бастаған Британдық Chapman Taylor сәулет бюросымен жасалған. Бюроның басқа жобаларын атап өтсек, олардың арасында: Катардағы Ислам өнері музейі, Париждегі Помпиду орталығы, Лувр, Бильбаодағы Гуггенхайм музейі және тағы да басқа да көрнекті кеңістіктер. Бюро Almaty Museum of Arts музейін Lord Cultural Resources халықаралық музейлерді жоспарлау Консалтингтік компаниясымен бірлесіп әзірлеуде.

^{Фото: Almaty Museum of Arts баспасөз қызметі}

^{Фото: Almaty Museum of Arts баспасөз қызметі}

^{Фото: Almaty Museum of Arts баспасөз қызметі}

Almaty Museum of Arts ғимаратының сәулеттік идеясы – Алматының таулы аймағы мен қалалық ортаны байланыстыру. Тұжырымдаманы жүзеге асыру барысында екі материал қолданылды: тауларды бейнелеуге тас, қаланы бейнелеуге металл. Сонымен қатар, құрылым жергілікті ауа райының және сейсмикалық төзімділікті ескере отырып жоспарланған. Инновациялық музейдің ғимаратына пайдалынылған материал сәулеттік идеясына сәйкес. Тас – Юра әктасы, ол 100 миллион жылдан астам уақыт бұрын пайда болған және ол Баварияда өндіріледі. Әктастың әр кесіндісі ерекше және ежелгі органикалық қалдықтарынан тұрады. Қасбеттің басқа бөлігі анодталған алюминиймен жабылып, үшінші қаптау материалы – COR-TEN болатынан жасалады. Уақыт өткен сайын, бұл материал өте әдемі тот басқанымен, бұзылмайды, керісінше, болатты коррозиядан сақтап, ауа-райы мен жарыққа байланысты түсін өзгертеді.

Сонымен қатар, музейдің жанында орналасқан Almaty Theatre ғимараты, қала тұрғындары үшін жаңа мәдени кеңістікті құрайтын болады.

^{Фото: Almaty Museum of Arts баспасөз қызметі}

^{Фото: Almaty Museum of Arts баспасөз қызметі}

Музейдің коллекциясы

Almaty Museum of Arts қаламызға мәдени орталық ашылуымен қатар, өнер әлемінде танымал сурешілердің жұмыстарын әкеледі. Олардың арасында Яйой Кусама, Ансельм Кифер, Билл Виола, және тағы басқалар.

Музейде тұрақты және уақытша экспозицияларға арналған залдар, концерттер мен кинокөрсетілімдерге арналған трансформалы зал, мастер-класстар бөлмесі, реставрация залы қарастырылған. Уақытша экспозицияларға арналған залдың төбе биіктігі 12 метрге жетеді. Музейдің қорында 5000-ға дейін экспонат сақталады. Сондай-ай ақ, қойманың ерекшелігінің бірі – музей қонақтары сақтаулы тұрған экспонаттарды көреді. Экспонаттарды сақтау мақсатында музейдің қорында өрт қауіпсіздігінің халықаралық стандарттарын ескере отырып жасалған.

Музейдің тұрақты экспозициясының негізінде, коллекционер Нұрлан Смағұлов 30 жыл бойы жинаған ХХ ғасырдағы Қазақстан бейнелеу өнерінің топтамасы ұсынылады. Сонымен қатар, көрермендер еліміздегі заманауи өнер дамуының басында тұрған қазақстандық суретшілердің жұмыстарын тамашалай алады.

Уақытша экспозиция залының бағдарламасы әр жарты жыл сайын ауысып, ал тұрақты экспозиция екі жылда бір рет өзгеріп тұрады. Музейде экспонаттарды сақтау жүйесінің жоғарғы деңгейінің арқасында, Орталық Азияда болмаған халықаралық көрмелер мен көрнекті өнер нысандарын тамашалауға мүмкіндік береді. Бүгінгі таңда музей әлемге танымал суретшілердің туындыларын сатып алған: неміс суретшісі Ансельм Кифердің «Бұл жазбалар өртеніп кеткенде, олар аздап жарық береді» инсталляциясы. Ансельм Кифер өзінің батыл көзқарасымен және неміс болмысын зерттеуімен танымал. Оның шығармалары ұлттық жарақат пен есте сақтау мәселелерін жиі қозғайды. А. Кифер туындылары мен инсталляциясы суретшінің оның туған елімен ерекше диалогы болып табылады. «Бұл жазбалар өртеніп кеткенде, олар аздап жарық береді» инсталляциясын Нұрлан Смағұлов 59-шы Венеция биенналесінде сатып алды.

^{Фото: Almaty Museum of Arts баспасөз қызметі}

^{Фото: Almaty Museum of Arts баспасөз қызметі}

Жапондық суретші Яеи Кусаманың «Махаббат шақырады» инсталляциясы

Яеи Кусама – қазіргі заманның ықпалы зор және маңызды суретшілерінің бірі. Кусаманың жұмыстары бүкіл әлемдік көрмелерде қойылады. Сән үйлері онымен бірлесіп ынтымақтастық жасайды, ал келушілер суретшінің туындыларын әйгілі айна бөлмелеріне кіру үшін бірнеше сағат кезекте тұрады. «Махаббат шақырады» атты туындысы суретшіге тән түрлі-түсті мүсіндермен ұсынылған, осы инсталляцияда көрермендер Яеи Кусаманың жапон тілінде оқыған Махаббат туралы поэмасын естиді.

Американдық мүсіншінің Ричард Серрдің «Қиылыс» мүсіні

Ричард Серра – америкалық танымал заманауи мүсіншілерінің бірі. Оның болаттан жасалған монументалдық «Қиылыс» атты 25 метрлікмүсініне бөлек зал қарастырылған. Бұл инсталляцияның ішіне кіріп қана қоймай, музейдің екінші қабатынан туындының ерекше көрінісі ашылады. Ұлы француз суретшісі Фернан Леженің «Әйелдер мен тотығұс» керамикалық панносы да Almaty Museum of Arts қабырғасында орын табады.

Йинка Шонибаре-Нигериядан шыққан заманауи британдық суретші, Еуропа мен Америкада тарихи және әдеби-көркем реминисценциялардың шеберінің мүсіні де музейдің алдында орналасады.

Жалпы инвестициялар сомасы 100 миллион АҚШ доллары, оның ішінде шамамен 35% музей құрылысына жаратылған болса, 65% әлемде танымал өнер туындыралын сатып алуға бөлінген.

Мұндай музейдің Алматы қаласы үшін пайда болуы үлкен маңызға ие. Бұл тұрғындар мен қонақтарға заманауи өнермен танысуға мүмкіндік беріп қана қоймай, ұлттық мәдениеттің дамуына айтарлықтай үлес қосады. Елден шықпай-ақ, маңызды өнер туындыларымен таныс болатын болашақ ұрпақ мәдени жағынан рухани дамиды.

Музейдің ашылуы 2025 жылдың сәуір айына жоспарланған.

5 июня, 2024
Что важно знать о Сабыре Мәмбееве?

Современная абстрактная казахстанская живопись не могла бы состояться без уникального творчества Сабыра Мәмбеева. История искусств Казахстана знает много имен, сформировавших казахскую живопись такой, какой мы ее знаем сегодня: с бескрайними степями, видами из юрты, с людьми, воплощающими дух и культуру нации. Творчество Мәмбеева можно охарактеризовать как искусство, изменившее отношение к решению живописно-пластических задач в изобразительном искусстве республики.

Рассказывает искусствоведка и научная сотрудница Государственного музея искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, авторка колонки Art of Her «Открывая Казахстан» Акжаркын Кумарбаева.

Что нужно знать о художнике?

Сабыр Әбдірасылұлы Мәмбеев родился 1 мая 1928 года в селе Абай, Южно- Казахстанской области, в семье учителя. В 1929 году семья Мәмбеевых переезжает в Алма-Ату. Лишившись в раннем возрасте отца, а затем матери, мальчик воспитывался у бабушки Удыбаца. Помимо него, в семье Мәмбеевых было еще два старших брата и сестра. Детские годы художника пришлись на тяжелые годы войны, оба старших брата не вернулись с фронта. В 1942 году уходит из жизни и бабушка, которая с детства делала для него все и взращивала в будущем художнике внутреннюю опору.

В том же году Сабыр Мәмбеев поступил в Алматинское художественное училище им. Н.В. Гоголя. Окончив учебу, молодой человек, полный решимости, едет поступать Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина при Академии Художеств СССР. По завершении учебы в 1953 году, художник, обладая ясным представлением о своем будущем творческом пути, возвращается на родину. По воспоминаниям самого художника, преподаватели видели в нем мастера с большим потенциалом, которому требовалось лишь упорство для достижения успеха. С этой задачей Сабыр Мәмбеев однозначно справился, неустанно работая до самого конца своей жизни.

Сразу после возвращения в Алматы, до 1956 года, он преподавал в Алматинском художественном училище им. Н.В. Гоголя. А в 1956 году стал Членом Союза художников Казахстана и Союза художников СССР.

Как смотреть работы Мәмбеева?

Изучая изобразительное искусство Казахстана, сложно представить его без имени Сабыра Мәмбеева. Все его полотна несут в себе понятие цельности, единства и гармонии живописного произведения. Двуплановость этих понятий в творчестве художника становится очевидной с первых работ — «В горах» (1957), «Откочевка» (1959), «В пути» (1963) и других.

Личность с особым взглядом на живописные задачи, Мәмбеев принес в казахстанское искусство уникальный стиль, оживив его своим видением и энергией.

В своем стремлении создать особый мир, Сабыр Мәмбеев поместил степь и жизнь казахского народа в особый формат, где реальность преобразуется, приобретая иную форму, превращая сиюминутное в длительность, вкладывая в произведение философскую категорию.

Важным для художника становится восприняв богатство окружающего мира, проецировать его сквозь собственный мир, где сама суть познается в истинном воплощении. В его работах нет четких граней, здесь есть лишь узнаваемый образ, который мгновенно воспринимается тем, кто видел эти бескрайние степи, смуглые лица в тени юрт. Цвет жгучей травы в знойной степи, где ощущаешь горячий воздух на лице, становится великолепным переходящим оттенком зелени на картине, который передает атмосферу живой природы, и ощущения тепла, и света.

Рассматривая темы выбранные художником, можно отметить несколько, которые особенно его волновали.

В юрте. И за ее пределами

Казахская юрта, вдохновляла не одно поколение художников: жилище в степи — эта мини-вселенная с тысячей цветов, форм и световых нюансов, где каждый элемент, от орнаментов до конструкции, являет собой гармонию и эстетику.

В дипломной работе «На жайлау» 1953 года, как отправной точке в пути поиска собственного стиля, мы видим усвоенные художником академические навыки, которые стали основой для последующего творческого развития и формирования уникального художественного языка.

Сабыр Мәмбеев, «На жайлау», 1953 г.

Женские портреты

Весьма широкий спектр женских образов представлен на полотнах художника: от лиричной «Дочери чабана» 1971 года, с нестандартным размещением портретируемой, в величественно восседающих в просторах степи казашек в «У юрты» 1958, «Откочевка» 1959, до проб пера в ню «Утро» 1967, «Обнаженная» 1967. В своих дальнейших экспериментах, таких как «Обнаженная» 1970 и «Обнаженная» 1973, мы видим, как художник все более тонко передает телесность и нежность в своих работах, используя утонченные линии и создавая контраст с яркими цветами, изображенными на фоне. Тело при этом приобретает еще большую выразительность, словно оживая на холсте.

Сабыр Мәмбеев, «Откочевка», 1959 г.

Двое

В изобразительном искусстве в портретах важна не только точность изображения, но и то, насколько глубоко художник способен увидеть и передать внутренние состояния моделей. Сабыр Мәмбеев преуспел не только в создании нестандартных форм, но и в точной психологической характеристике персонажей. Художник находил особую потребность в изображении дуэта – «Двое», «Строительницы» 1966, «Сестры» 1968, «Мальчики в юрте» 1969, «Брат и сестра» 1965, «Девочки-доярки» 1969, «В моем городе» 1960. Не смотря на фигуры людей на дальнем плане, взгляд привлеклекает именно изображение двух девушек, и контраст созданный художником. Решение различных колористических задач всегда было основополагающим в творчестве Мәмбеева, который мог находить живописное решение как в поиске гармонии цвета, так и, прибегая к многоцветовой контрастности.

Творчество Сабыра Мәмбеева погружает зрителя в прошлое, в его внутренний мир, поиски, вопросы и ответы. Однако, картины его остаются свежими, полными жизни, вне времени, что является показателем истинного таланта.

«Необозримые просторы степей, колеблющиеся ритмы горных хребтов — писал сам художник – подсказывают нам особое построение композиции посредством чередования крупных планов, уходящих в безграничную даль».

Действительно, события в полотнах Мәмбеева всегда развиваются на первом плане. В композициях первый план объединен со вторым цветовыми, линейными ритмами, колористическими контрастами. Главное в полотнах художника, несмотря на конкретику изображения, — отсутствие бытовизма. Отсюда — тонкий лиризм его произведений, выполненных в невесомой манере с использованием изысканной фактуры. Тона, полутона, мазки, выступающие и уходящие вглубь, сродни национальной музыке и вместе с тем, содержат в себе европейские моменты художественного языка.

«Юрта», «Откочевка» — фрагменты жизненных ситуаций, которые он «приподнимает», уходя от пустой детализации, подчиняя ритму мазка, гамме цвета. Не иллюстрируя казахский орнамент, художник во всех своих произведениях применяет принципы восприятия орнаментальной композиции — взгляд зрителя движется от плоскости в глубину и обратно. Взаимосвязь между пространством и плоскостью в произведениях обязаны великолепному чувству — интуиции мастера.

31 мая, 2024
Магия многогранности Гүлфайрус Ысмайыловой

Гүлфайрус Ысмайылова — одна из первых профессиональных женщин художниц, оставивших значительный след в изобразительном искусстве Казахстана.

Роль женщины в художественно-изобразительном пространстве Казахстана – отдельный феномен, который очень интересно рассматривать. 1950-е годы явили на сцену казахского изобразительного искусства новое поколение художников, представлявших собой цельное ядро, состоящее из талантливых, смелых, самобытных авторов, готовых представить свое видение мира. Они сформировали национальную школу изобразительного искусства. Среди этой плеяды художников яркой звездой загорелось творчество Гүлфайрус Ысмайыловой.

Талантливая художница, сценограф, актриса, автор казахских национальных костюмов для концертных и театральных выступлений, общественный деятель – все это о Гүлфайрус Ысмайыловой.

Рассказывает искусствоведка и научная сотрудница Государственного музея искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, авторка колонки Art of Her «Открывая Казахстан» Акжаркын Кумарбаева.

Что нужно знать о художнице?

Гүлфайрус Ысмайылова родилась в Алма-Ате в 1929 году. Ее детские годы пришлись на тяжелое военное время. Отец на фронте, дома остались мать и пятеро детей, среди которых Гүлфайрус была самой старшей. С раннего возраста она была зачарована красотой окружающего мира — от лиц прохожих, до узоров казахских ковров, что в дальнейшем выльется в ее особое видение в живописи.

В 1944 году она поступает в Алма-Атинское художественное училище. Вобрав лучшие качества и техники от своих учителей А. М. Черкасского и Л. П. Леонтьева, художница еще не раз с благодарностью будет вспоминать своих педагогов. Под чутким наставлением А. Черкасского Гүлфайрус Ысмайылова едет учиться в Москву.

В кадре

В 1949 году Гүлфайрус приглашена на съёмки фильма М. Донского «Алитет уходит в горы», из-за чего художнице приходится отложить поступление в художественный институт. Она еще не раз вернется в кино, в качестве актрисы, и этот опыт однозначно скажется на ее творчестве. Ее фильмография включает в себя такие работы как: «Қыз Жібек» (1971), «Однажды ночью» (1959) и «Ботагөз» (1957), в котором она сыграла главную роль.

После успеха в кино, в 1950 году Гүлфайрус поступает в Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина на живописный факультет.

^{Кадр из фильма «Ботагөз». Гүлфайрус Ысмайылова с Ниной Гребешковой}

Искусство на сцене: театральные миры Гүлфайрус Ысмайыловой

Во время обучения Гүлфайрус очарована миром театра. Она посещает каждую премьеру. В последствии, по мере приобретения мастерства в языке живописи, она с успехом применяет его на сцене театра. Вернувшись после учебы на родину, о которой она с нежностью вспоминает как о месте «…с теплыми землями, с широкой степью, серебряным ковылем, со своей необыкновенной песней…», Гүлфайрус Ысмайылова в полной мере сможет проявить свой художественный талант. С 1958 года она начинает работать в театре в качестве декоратора, и опыт станковой живописи сказывается на ее эскизах, которые являются полноценными, законченными картинами. Со временем театр становится творческой доминантой на долгие годы.

В 1971 году её назначают главным художником Государственного академического театра оперы и балета имени Абая. Гүлфайрус проработает там 17 лет, оформляя разные постановки, включая работы по музыке М. Тулебаева, Н. Тлендиева, Е. Брусиловского «Акбопе» (1957), балет «Дорога дружбы» (1958), опера «Ер-Таргын» (1967), балет «Козы-Корпеш — Баян-Слу» (1971-1972), опера «Жумбак Кыз» (1972), опера «Чио-Чио-Сан» (1972-1973), опера «Алпамыс» (1973, 1979), опера «Аида» (1978) и другие.

Многие запомнили Гүлфайрус Ысмайылову как талантливую художницу театра. И это неспроста. Постановки, для которых она готовила декорации и костюмы, остались в истории казахского театра.

Другая не менее талантливая художница А. Ғалымбаева, внесла огромный вклад в историю казахского национального костюма, создав альбом «Казахский народный костюм» (1958). Гүлфайрус же в свою очередь, стала автором сценических национальных костюмов, отличавшихся вниманием к деталям и необычайной театральностью.

^{Гүлфайрус Ысмайылова, эскиз декорации (ночь) к опере Е. Брусиловского «Ер-Таргын», 1967 г. Из коллекции галереи «Жауhар», г. Алматы. Фото: галерея «Жауhар»}

^{Гүлфайрус Ысмайылова, эскиз суперзановеса к опере Е. Рахмадиева «Алпамыс», 1978 г. Из коллекции галереи «Жауhар», г. Алматы. Фото: галерея «Жауhар»}

^{Гүлфайрус Ысмайылова, эскизы костюмов к опере «Чио Чио Сан», 1972 г. Из коллекции галереи «Жауhар», г. Алматы. Фото: галерея «Жауhар»}

Как смотреть работы Гүлфайрус Ысмайыловой

Яркий и будоражащий воображение театр и динамика кинематографа не смогли удержать Гүлфайрус Ысмайылову от ее настоящей страсти — живописи.

«…Здесь я – самостоятельная творческая личность, не зависимая от чьего-либо замысла, изначальных посылок».

Женские образы

Впервые столкнувшись с творчеством Гүлфайрус Ысмайыловой невозможно не заметить ее особую любовь к женским образам. С них и стоить начать знакомство с работами художницы.

Всегда увлекательно рассматривать портреты женщин через призму взгляда самих женщин. Ысмайылова наделяет своих героинь особой загадочностью и силой духа, добавляя новое измерение в представление о женском образе в казахской живописи. Эти портреты и по сей день служат источником вдохновения для современных художниц. В каждом из них звучит признание в любви, прописанное на холсте.

Будучи талантливым декоратором, она сумела внести в живопись свою особую манеру: декоративную яркость и эмоциональную напряженность. Герои ее живописных произведений – знакомые ей мастера казахского сценического искусства: танцовщицы, певицы, драматические актрисы.

^{Гүлфайрус Ысмайылова, «‎Казахский вальс», 1958 г. Из фонда ГМИ РК им. А. Кастеева, г. Алматы. Фото: пресс-служба ГМИ РК им. А. Кастеева}

Одной из самых ее известных работ является «Казахский вальс». Это портрет народной артистки Шары Жиенкуловой, основательницы национальной школы казахского танца. На портрете Шара кружит в розовом вихре собственного платья. Цвета на картине с первого взгляда завораживают зрителя, завлекая все дальше вглубь, унося с собой в ритме казахского вальса. В работе чувствуется восторг художницы от гибкости женского тела в танце и жизнерадостного темперамента артистки.

^{Гүлфайрус Ысмайылова, «Портрет народной артистки Шолпан Жандарбековой в образе Ак-Токты», 1960 г. Из фонда ГМИ РК им. А. Кастеева, г. Алматы. Фото: пресс-служба ГМИ РК им. А. Кастеева}

Еще одна известная картина художницы — Портрет народной артистки Шолпан Жандарбековой в образе Ак-Токты по пьесе Г. Мусрепова «Трагедия поэта». Шолпан изображена в костюме невесты, в кульминационный момент постановки: «быть или не быть», испить кумыс из пиалы в знак согласия и выйти замуж за нелюбимого или выплеснуть его? Пауза, застывшая на губах девушки. Вопрос, оставшийся висеть в воздухе. Эмоциональное напряжение полотна никого не оставит равнодушным.

^{Гүлфайрус Ысмайылова, «Портрет К. Байсеитовой в роли Қыз Жібек», 1962 г. Из фонда ГМИ РК им. А. Кастеева, г. Алматы. Фото: пресс-служба ГМИ РК им. А. Кастеева}

«Казахский соловей» Куляш Байсеитова – отдельная глава в летописи становления казахского национального музыкального искусства. Ей Гүлфайрус Ысмайылова посвящает несколько портретов, однако в образе «Қыз Жібек» – один из ключевых. Образ героини несет в себе сильный эмоциональный заряд, поскольку энергетика К. Байсеитовой, ее музыкальность, обаяние, внутренняя озаренность передают уникальный характер культурного наследия, привнося в него свой особый вклад и вдохновляя зрителей к новым открытиям и переживаниям.

Қыз Жібек и изображена в середине картины, чуть левее центра, окруженная подругами, задумчивыми, каждая уникальна в своем представлении, здесь невозможно не заметить трепет Гүлфайрус Ысмайыловой к национальным костюмам и украшениям: все они украшены тонкой вышивкой и яркими акцентами, напоминающими о богатстве и красоте казахской культуры.

Все три героини триптиха – это не просто актрисы, знакомые нам по картинам художников и фотографов. Они чистое олицетворение силы и жизнелюбия не только на сцене, но и в реальной жизни. Ведь время, в котором они жили, стало своеобразным «моментом истины» для всей казахской культуры, когда ей необходимо было проявить себя. И по сей день эти образы, запечатленные на века, продолжают вдохновлять.

Ее работы характеризуются особой эффектностью: каждая героиня выступает в своей главной роли, оставляя незабываемое впечатление, как и сама художница. Без сомнения Гүлфайрус Ысмайылова вкладывает частичку себя в каждый образ.

^{Гүлфайрус Ысмайылова, «Портрет А. Кастеева», 1966 г. Из фонда ГМИ РК им. А. Кастеева, г. Алматы. Фото: пресс-служба ГМИ РК им. А. Кастеева}

Портреты Гүлфайрус Ысмайыловой – это своего рода документирование жизни представителей казахской культуры. Это не только деятели сцены, среди галереи портретных образов мы видим таких видных деятелей искусства как А. Кастеев (1966), С. Муканов (1969), М. Ауэзов (1969). Особо среди них выделяется портрет Кастеева. Это дань уважения и признательности мастеру, наставнику, человеку с большой буквы. Художница в своем творчестве и до этого обращалась к образу А. Кастеева, но именно этот портрет получился наиболее психологичным и убедительным. В нем считывается кинематографический прием — за спиной художника благородная палитра множества оттенков Сары-Арки. Этот эффект еще больше усиливает ощущение присутствия в данной мизансцене.

^{Гүлфайрус Ысмайылова, «Народная мастерица», 1967 г. Из фонда ГМИ РК им. А. Кастеева, г. Алматы. Фото: пресс-служба ГМИ РК им. А. Кастеева}

Картина «Народная мастерица» знакомит зрителя с народным искусством. Завороженная его многообразием и красотой Гүлфайрус Ысмайыловой демонстрирует талант рассказчика: в задумавшейся ли позе мастерицы, в головном ли ее уборе или домашней утвари – каждая деталь представлена в лучшем своём воплощении. Образ любимой бабушки Халиды, которая с детства учила видеть красоту в простом, вдохновил на создание данной работы. «…А как красива была бабушка, когда работала! Это великое умение – красиво трудиться…». Собирательный образ народной мастерицы, эдакий демиург, восседающий в пространстве юрты, где каждое прикосновение пальца рождает красоту в витиеватых линиях казахского ою (орнамента), непременно вызывает отклик у зрителя.

Гүлфайрус Ысмайылова была поистине многогранной личностью, прочно оставив свой след в изобразительном искусстве Казахстана.

14 марта, 2024
Падение автора: в Алматы проходит персональная выставка Ербосына Мельдибекова

В Алматы в Доме офицеров проходит персональная выставка Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным», организованная Центром современной культуры «Целинный». Название этого цикла работ напоминает о советском космическом проекте «Буран» (1988), который отправился в космическое пространство, «…предназначенный для экспорта и транспортировки идей революции и нового человека во все галактики вселенной». Однако, амбициозному плану не суждено было сбыться, а корабль остался ржаветь на космодроме.

Переосмысленные произведения художника, ранее знакомые зрителям с предыдущих выставок, приобрели новое дыхание в помпезном Мраморном зале Дома офицеров.

^{Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.}

^{Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.}

^{Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.}

Ербосын Мельдибеков – мультидисциплинарный художник и скульптор, который на протяжении многих лет вкладывает свои усилия в развитие искусства в Казахстане. Он исследует прошлое и настоящее не только своего народа, но и события и следы советского прошлого на карте Центральной Азии. Темы, которые художник исследует через призму своего восприятия, прямо отражены в его работах. В современных реалиях они служат средством самоопределения казахстанского искусства как части чего-то большего.

Визитной карточкой выставки стала серия работ «Падение автора», органично вписанная в общую тему, предложенную художником. Фигура, выполняющая движения в воздухе, с последними силами сопротивляется гравитации, но, тем не менее, поддается ей – полноразмерная работа, которая не оставит равнодушным ни одного зрителя.

^{Ербосын Мельдибеков рядом со своей инсталляцией «Падение автора» в Дом офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.}

Ранее известная фотография «Брат мой, враг мой», вызывавшая неоднозначные реакции в 2001 году, превратилась в бронзовую инсталляцию «Прощай, брат!».

«Прощай брат!» – работа-отчаяние, работа-поражение. Реальность оказалась мрачнее самой черной, иррациональной, хтонической фантазии. Мир стал невозможней невозможного», – поясняет работу художника Дастан Кожахметов, куратор выставки.

Художественный язык Ербосына Мельдибекова многообразен, всегда точен, хлесток и узнаваем. Саркастическая и критическая тональность в его работах передает не всегда радужные реалии его соотечественников, и тем не менее дарит надежду на то, что через время это можно будет «перевернуть» под нужным углом.

Деконструкция и демифологизация традиционного мировоззрения – принципы работы Мельдибекова, который трансформирует идеи и события прошлого, выплавляя их из бронзы, помещая в телевизоры, проводя всевозможные манипуляции снимает «пелену» с глаз. Эта выставка – поэтическо-сатирический полет в мир разрушенных иллюзий, в мир, где попытки создать «светлое будущее» напоминают деформированную раковину.

^{Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.}

^{Вид на экспозицию выставки Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» в Доме офицеров, г. Алматы, Центр современной культуры «Целинный». Фото: Саида Сулейменова, 2023 г.}

Отметим, что выставка «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» получила в целом положительные отзывы арт-экспертов, в очередной раз подчеркнув значимость современного казахстанского искусства и его способность вдохновлять и привлекать внимание культурных центров.

Персональная выставка Ербосына Мельдибекова «Буран – Байконур, между шелковым путем и млечным» продлится до 1 марта 2024 года.

Адрес: г. Алматы, ул. Зенкова, 24 (Дом офицеров).

График работы: ежедневно с 10:00 до 18:00.

Вход свободный.

6 февраля, 2024
Айша Ғалымбаева — первая профессиональная художница-казашка
Айша Гарифовна Ғалымбаева – художница-живописец, художница кино. Первая профессиональная художница-казашка.

Следующее поколение живописцев после Абылхана Кастеева – плеяда молодых художников и художниц – было настроено решительно. В 1940-е годы талантливая молодежь едет учиться в центральные художественные вузы страны и, вернувшись в родные края, ищет свой отличительный, национальный язык. В это время на сцене изобразительного искусства появляется Айша Ғалымбаева.

Рассказывает искусствоведка и научная сотрудница Государственного музея искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, авторка колонки Art of Her «Открывая Казахстан» Акжаркын Кумарбаева.

Что нужно знать о художнице?

Айша Ғалымбаева родилась 29 декабря 1917 года в селе Есик (Юго-Восточный Казахстан). Там художница провела свои детство и юность. Природа региона стала первым учителем для маленькой Айши – цветущие долины, горные реки, ширь степей вдохновляли ее, укрепляя в ней внутреннего творца. Как и все девочки своего времени, Айша приобщалась к вышивке, валяла войлок (киіз, кошмы), составляла сложные узоры для ковров, слыла настоящей мастерицей. Все это, в сочетании с народными песнями и сказаниями, которые так любила слушать девочка, заложило основу ее будущего творческого пути.

Все свободное время она рисовала, ее рисунки нравились всем, кто их видел, что придавало девочке уверенности в своих силах и вызывало еще большее желание творить. Вместе с тем старшее поколение считало ее любовь к изобразительному искусству несерьезным занятием и не одобряло увлечения Айши.

Несмотря на это, юная художница в первый же год обучения оканчивает на отлично Театрально-художественное училище Алматы. Далее следует обучение во ВГИКе (Россия, Москва) на кинохудожницу. Многочисленные эскизы к таким фильмам, как «Песни Абая», «Поэма о любви», «Девушка-джигит», формируют особую пластичность в характере ее живописи. При сборе материалов для создания эскизов народных костюмов Айша отправляется в путешествие по стране, по пути делая зарисовки не только мужских и женских костюмов, но и древних сакральных мест и природных ландшафтов. Результатом многолетнего труда стал альбом «Казахский народный костюм» 1958 года, вобравший в себя детальные иллюстрации элементов казахской народной одежды.

Книга «Казахский народный костюм», А. Ғалымбаева, 1958 г. Фото: Instagram @Bonart.books

Книга «Казахский народный костюм», А. Ғалымбаева, 1958 г. Фото: Instagram @Bonart.books

Книга «Казахский народный костюм», А. Ғалымбаева, 1958 г. Фото: Instagram @Bonart.books

В главных ролях: женщина

Помимо красоты родной земли и ее обычаев, Айша Ғалымбаева славит красоту казахской женщины, вдохновляясь даже самой обыденной сценой. Так было создано множество образов, призванных воспевать силу женщины, ее внутреннюю и внешнюю красоту. На ее полотнах мы видим маленькую девочку, юную девушку, работницу фабрики, актрису кино, инженерку, искусствоведку, любящую мать и заботливую бабушку.

Для ее творчества характерны живописная декоративность цвета, графичность линий и в целом жизнеутверждающее, оптимистическое настроение.

А еще множество автопортретов, которые были как спутники на протяжении всего творческого пути художницы. Благодаря им можно увидеть, как росла и менялась сама Айша Ғалымбаева: от робкого взгляда молодой девушки «Автопортрет» (1947, 1950, 1954, 1955 годы), «Автопортрет в красном» (1961, 1964, 1970, 1980, 1988 годы) к зрелой, уверенной в себе женщине, но всегда утонченной и прекрасной.

Айша Ғалымбаева, портрет ткачихи, инженера-технолога А.Дюзеновой, 1960 год

Айша Ғалымбаева, автопортрет

Айша Ғалымбаева, автопортрет, 1970 год

Айша Ғалымбаева, автопортрет в красном

Айша Ғалымбаева, автопортрет

Как смотреть работы Айши Ғалымбаевой?

Сложно сказать, какому из жанров художница отдавала большее предпочтение – ее любознательность и очарованность миром проявляется в каждой работе. Мастер не только портретов, но и многофигурных композиций, таких как «Песнь Казахстана», «Утро Алма-Аты».

Мир кинематографа дает большую свободу в самовыражении – невозможно не прочувствовать весь динамизм в работах Ғалымбаевой, которая в вихре кружит своих героев на картине «Той чабанов» 1965 года. Яркие пятна, театральность, буйство цвета, праздник жизни. Даже ее натюрморты наполнены движением.

Айша Ғалымбаева, «Той чабанов», 1965 год

Подходя к работам художницы, испытываешь внутреннюю благодарность по отношению к авторке. Создается впечатление, что в свои полотна Ғалымбаева вкладывает некий внутренний свет, передавая частицу собственной души. Деликатно и точно она переносит элементы казахского народного быта на свои полотна, сопровождая все это обилием цвета и энергичной манерой письма.

Картина «Песнь Казахстана» 1962 года воспринимается как симбиоз живописи и кино. Смотришь на нее – и вот-вот услышишь пение прекрасных дев, восседающих у подножья гор.

Айша Ғалымбаева, «Песнь Казахстана», 1962 год

Ғалымбаева пишет небольшую работу девочки «Портрет Сауле» в 1959 году, и это произведение отличается от образов, написанных ранее. Айша Гарифовна и до этого писала портреты девочек («Кама и Жама» 1957 года) и другие, но именно этот портрет отличается особым характером.

Образ маленькой казахской девочки не раз встречался нам у художников-мужчин. Это всегда взгляд со стороны. В работе «Портрет Сауле» (1959 год) Ғалымбаевой чувствуется взгляд от первого лица, понимание сущности внутреннего мира портретируемой. Девочка в головном уборе такия с перьями на теплом фоне смотрит как бы сквозь зрителя любопытным и вопрошающим взглядом медных глаз, заставляя ощутить паузу, повисшую в воздухе. В нем все, он словно кадр из фильма: и характер девочки, и глубина сознания, и, возможно, желание получить ответ на волнующий ее вопрос.

Айша Ғалымбаева, портрет Сауле, 1959 год

Неоценим вклад Айши Ғалымбаевой в развитие казахстанского искусства. Вот только некоторые аспекты ее многогранной деятельности:
- Популяризация через личное творчество казахского народного прикладного искусства;
- Весомый вклад в развитие кинематографа и театров Казахстана;
- Создание авторских эскизов национальных костюмов;
- Создание собирательного казахского женского образа;
- Многовекторное развитие живописи и графики Казахстана;
- Педагогика;
- Укрепление дипломатических и культурных связей международного значения.
9 ноября, 2023
Әбілхан Қастеев. Что важно знать о художнике?

Когда мы говорим об изобразительном искусстве Казахстана, первое имя, которое приходит нам на ум – это Әбілхан Қастеев. Его именем справедливо названы учебные заведения, улицы и, конечно, музеи.

Станковое изобразительное искусство в Казахстане имеет относительно недавнюю историю. У истоков развития национального изобразительного искусства стоит Әбілхан Қастеев – первый профессиональный казахский художник, член Союза художников, лауреат государственных премий КазССР, человек, сумевший угодить и советской власти и простому народу, художник, ставший покровителем и защитником искусства для своих современников. Как простой выходец из аула, пастух, разнорабочий смог стать симовлом изобразительного искусства Казахстана?

Рассказывает искусствоведка и научная сотрудница Государственного музея искусств Республики Казахстан им. А. Кастеева, авторка колонки Art of Her «Открывая Казахстан» Акжаркын Кумарбаева.

Что нужно знать о художнике?

Әбілхан Қастеев родился 14 января 1904 года в ауле Шижин недалеко от города Жаркент (Алматинская область). Семья будущего художника жила бедно, его отец работал простым чабаном и рано умер. С ранних лет Әбілхан помогал семье работая чабаном у местного бая, как и его отец. Именно наблюдение за природой во время выгула скота породило у мальчика желание творить. Он вырезал различные поделки, создавал украшения из дерева и кости. Юный Әбілхан пытался создавать фигурки людей, но ислам запрещает изображать людей, поэтому в ауле его талант осуждали, а мулла запретил ему ходить в мечеть.

Вопреки непониманию и сомнениям окружающих, Әбілхан Қастеев продолжал тайно стремиться к искусству. Позже он отправился работать на стройку Турксиба (железная дорога из Сибири в Центральную Азию). Его склонность к рисованию заметило руководство стройкой и было решено отправить Әбілхана на учебу в Алматы (Алма-Ата). Он поступил в обычную школу в 25-летнем возрасте, и ему было неловко чувствовать себя среди детей.

В то время в Алматы работал российский художник Николай Хлудов, исповедовавший реалистичную манеру письма. В его художественной студии Әбілхан получил первые знания и навыки живописи, познакомился с творчеством классиков.

Қастеев становится свидетелем стремительно меняющейся реальности его народа: колыбель кочевника, с его традицией и орнаментом, служившим оберегом, сносит стихия советской власти, не приемлющая старое. Уничтожается народное прикладное искусство, но рождается новое. Избирая истинный Путь творца, он отрекается от роли судьи, и открывает для себя мир изобразительного искусства: кистей, красок, перспективы и светотени.

Живописец, акварелист, график, Әбілхан Қастеев пробует себя во всевозможных техниках, особенно хорошо ему удается уловить мгновение в акварелях, воздушных, наполненных теплотой и любовью к родным пейзажам.

Почему именно Қастееву среди прочих достается звание первого профессионального художника Казахстана? В 20-е годы XX века, примерно в одно и тоже время создают свои первые произведения Әбілхан Қастеев, Әубәкір Ысмайылов и Ходжа Ахмет Ходжиков. Каждый из них уникален в своем творчестве и оставил свой след в истории изобразительного искусства. Ысмайылов и Ходжиков осваивают язык живописи в подростковом возрасте (16 лет), оба едут учиться языку живописи в Москву. Там, как мы помним, уже случился русский авангард, что не могло не отразиться на творчестве художников. В то время как Қастеев пришел в художественную школу Николая Хлудова в 25-летнем возрасте, сформированной личностью, пришедшим лишь освоить язык искусства, стать поэтом времени, хранителем традиций. Несмотря на все трудности жизни, он вошел в мир искусства с одной лишь целью – создавать. Создавать прежде всего для народа, воспевая красоту родной земли, утверждая гуманистические идеи партии (национальные по форме, социалистические по содержанию), воспевая труд народа, его передовые достижения, будни и праздники.

Как смотреть работы Кастеева?

При знакомстве с работами Әбілхана Қастеева важно помнить, что он, как и всякий художник того времени, в первую очередь ставил задачей изобразить окружающую его реальность через призму собственного восприятия.

В Государственном музее искусств РК им. А. Кастеева в городе Алматы, в одноименном зале, где хранятся работы художника, можно познакомиться вживую с коллекцией его картин. Среди большого количества работ, хотелось бы выделить те, которые помогут зрителю лучше познакомиться с художественной практикой Қастеева.

Охотник с беркутом (1935)

Одна из ранних работ Қастеева, написанная им в 1935 году. Техника: холст, масло. Помимо цветовых решений, приглушенных тонов, которые задают атмосферу зимней спячки, хочется отметить также композиционное решение. Являясь следствием хорошего знания законов построения, работа получилась весьма привлекательной. Насыщенные, землистые цвета чапана охотника в сочетании с оттенком пасмурного неба – все это на фоне бесконечной белизны, в которой утопает природа, создает атмосферу таинственности, снимая барьер между картиной и зрителем.

Живописная картина «Охотник с беркутом» – одна из лучших его работ, написанная маслом. Цвета объемные, натуралистичные, мазки равномерные, чувствуется характер художника.

При знакомстве с работами Әбілхана Қастеева контекст имеет важное значение. Учитывая исторические изменения в период формирования Қастеева как художника, «Охотник с беркутом» – одна из тех картин, в которой он отражает реальность казахского народа вне времени. Будто не было вмешательства советской власти в уклад жизни казахского народа.

Сбор хлопка (1935)

Картина, призванная прославить труд, как один из двигателей советского общества, является одной из самых узнаваемых работ Қастеева. Радикально решившийся трудовой вопрос женщин после октябрьской революции повлиял на их занятость в общественном секторе труда. Есть мнения, что картина романтизирует труд, в частности женский. Присутствие красного цвета на сборщицах хлопках не случайно. Несмотря на всеобщее мнение о просоветском мышлении художника, хотелось бы отметить общее настроение на данном полотне.

Нельзя обвинить Әбілхана Қастеева в пренебрежении портретами, художник отлично умел изображать людей, их эмоции. Учитывая этот факт, зрители задаются вопросом, отчего же лица тружениц настолько измождены.

При рассмотрении данной работы в деколониальном контексте, подсвечивается абсолютно другой угол зрения: работницы, под гнетом советской машины обязаны выполнять тяжелый труд, который буквально «высасывает» все вокруг. Меняется время, меняются идеологии, меняется восприятие работ художников.

Насильственный увоз девушки (1937)

Художник изображал не только нарочито-радостные моменты в становлении нового уклада в жизни казахов, но и описывал тогдашнюю реальность, с ее жестокими традициями. Вообще, отношение Қастеева к традициям и его особое внимание к изображению женщин хотелось бы отметить отдельно. В картине «Насильственный увоз девушки» (1937) автор представляет нам эмоциональную сцену, наполненную трагизмом, давая понять, что некоторым традициям лучше остаться в прошлом. В изображении женских образов у Қастеева присутствует поэтичность и возвышенность, он наделяет их редким благородством и обаянием, но в то же время его георини являются сильными и показательными («Портрет сестры», 1932, «Портрет молодой казашки», 1932).

Творчество Әбілхана Қастеева стало мостом между казахской культурой и мировым искусством. Его произведения олицетворяют дух народа, его близость к природе и преданность традициям. Абылхан оставил неизгладимый след в истории художественного развития Казахстана, став первым народным художником, который смело открыл новые горизонты для будущих поколений. Его живопись напоминает нам, что страсть и усердие могут возвести обыденное к искусству, а наследие останется вечным вдохновением.

Instagram

Youtube

Telegram

6 октября, 2023
Naked Me: Feminist Lyrical Abstraction and Contemporary Kazakh Art

At the recent exhibition «Naked Me,» held from September 15th to 17th in Almaty city, artist Assel Sargaskayeva invited viewers on an extraordinary journey through the lens of lyrical abstraction. This marked her debut showcase after transitioning from the corporate finance world to dedicate over 15 years to her artistic pursuits. Inspired by her extensive reading from a young age, Assel’s creativity is rooted in a strong desire to illustrate the ideas she found in books.

The exhibition is a vibrant tapestry of colors and intricate details, immersing us in the depths of female emotionality and introspection.

Art as an Expression of the Female «Self»

In each piece, fragments of the artist are evident, offering a glimpse into how she perceives herself and the world. The smooth, gentle lines serve as the starting point for faces and forms, infusing the canvas with new life. Through abstract shapes and spots of color, we encounter powerful feminine energy and complex emotional states. The paintings act as a platform for a dialogue of feelings and identity between the artist and the viewer. Assel communicates through colors, seeing them as a language through which she conveys her thoughts and emotions.

^{Assel Sargaskayeva, Nagina, 2022}

The exhibition predominantly features bold and saturated colors, symbolizing life, energy, and the joy of existence. Assel invites us to see her world through the lens of perception, where each color embodies an emotion, each line represents an experience, and each detail forms a piece of the intricate puzzle of her life.

The «Naked Me» exhibition ignites creativity and self-expression, prompting each viewer to reflect on their own identity and life philosophy. Assel encourages us to view the world solely through the lens of our individuality and feminine strength, granting us the freedom to create our own meanings and interpretations of art.

^{Assel Sargaskayeva, Birth of the family, 2023}

Beyond personal expression, this exhibition aims to introduce the world to feminist art from Kazakhstan and the driving philosophy of the artist. Assel stands as a prominent figure in the Kazakh art scene, utilizing her works to address significant questions about female identity and the role of women in contemporary society. «Naked Me» is a journey into the world of Kazakh culture, its history, and the aspirations of its artists.

Each piece presented at the exhibition leaves a distinct aftertaste: «Morana» immerses the viewer in the whirlpool of life, dedicated to the feminine spirit of water, offering hope and conveying the sense of the birth of Life. On the other hand, «Devi Ayu» (Beauty is Evil), following deconstructivist traditions, dissects each component into microcosms. The central piece, «Cross,» greets the viewer with its wealth of color, vigorous brushstrokes, and compelling composition. Assel’s unique style is shaped by an abundance of textures and experimentation in technique execution.

^{Assel Sargaskayeva, Cross, 2023}

The exhibition leaves a profound impression, sparking numerous questions. Each piece serves as an invitation to reflect on one’s role in the world, life philosophy, and self-perception. Assel seeks balance in the relationship between Man and Woman, reflecting dualism and the birth of gender. As she explores her feelings about creativity and its perception, her mission is to showcase the value of Kazakh culture to the world.

«Naked Me» demonstrates that art can be a potent means of expressing feminist identity, contemplating philosophical questions of existence, and creating images born from the endless dance of lines and colors.

Irina Shrainer, the curator of the exhibition, elaborates: «Assel’s exploration delves into how women feel in a patriarchal world – how they live and the place they occupy. Feminist art is only beginning to emerge. The prerogative to be a ‘great artist’ was traditionally reserved for men. Her works not only possess aesthetic beauty but also delve into profound philosophical questions.»

^{Assel Sargaskayeva, Tree of life, 2022}

^{Assel Sargaskayeva, Pyramid, 2023}

This exhibition serves as a springboard for subsequent showcases scheduled for November in London and January in Los Angeles.

25 сентября, 2023