Что такое современное искусство?

Очень легко попасть в лингвистическую ловушку если слишком поверхностно подойти к термину «современный». В русском языке это слово воспринимается как нечто, относящееся к настоящему времени, как «современные технологии». И насколько непривычно слышать, что картина 1947 года является произведением современного искусства.

Сам термин «современное искусство» вбирает в себя два английских термина – contemporary art и modern art, что может очень сильно сбивать с толку. Предлагаю всё расставить по местам: термин «контемпорари арт» свободно используется для обозначения искусства современного и, относительно недавнего прошлого, инновационного или авангардного характера – согласно определению галереи Tate.

Дата, с которой мировые музеи ведут отсчёт произведений contemporary art, у многих варьируется. Например, институт контемпорари искусства в Лондоне, основанный в 1947 году, с этого года признаётся чемпионом данного направления. В свою очередь The New Museum of Contemporary Art в Нью-Йорке, выбирает более позднюю дату – 1977 год. В 1980-е годы Tate планировал свою версию музея современного искусства, в котором термин контемпорари определялся как искусство последних десяти лет на скользящей основе – то есть любое произведение последних десяти лет от сегодняшнего дня считается contemporary art.

Наряду с терминами contemporary art и modern art, есть ещё определения относящиеся к современному искусству – актуальное искусство и современное искусство в буквальном смысле. Почему так сложилось и как разбираться в том, что является современным искусством, а что – нет, я расскажу в этой статье, по возможности не ударяясь в технические особенности.

Модернизм

Зарождение модернизма и современного искусства можно отследить в эпохе индустриальной революции. Период быстрых изменений в производстве, транспортировке и технологиях начался примерно в середине XVIII века и продолжался до XIX века, глубоко повлияв на социальные, экономические и культурные условия жизни в Западной Европе, Северной Америке и, в конечном итоге, в мире. Новые формы транспорта – железная дорога, паровые машины и метро – изменили способ жизни, работы и путешествий людей, расширив их мировоззрение и доступ к новым идеям. По мере процветания городских центров, рабочие стекались в большие города за рабочими местами в разных индустриях и городское население бурно росло. Жизнь стала более стремительной и это не могло не оставить свой след в изобразительном искусстве.

До середины XIX века царила традиционная академическая школа живописи. До изобретения фотографии полотна художников практически выполняли документальную функцию, они выполняли заказы на изображение зданий, людей и исторических событий. Самое главное – изобразить максимально реалистичный внешний облик объекта. А высшим эквивалентом художественного творчества было искусство изящное – в основном библейские и мифологические сюжеты. Высокохудожественно прописанные, недосягаемые небожители смотрели с холстов на благоговеющего зрителя. Это была экзальтация наслаждения внешней формой объекта. И тут грянула новая эпоха, которой суждено было перевернуть все основы художников и резко вскрыть ткань материальной реальности, уверенно ворваться за пределы застывшего внешнего облика объекта. Название этой новой эпохи – «Modern Art», с английского языка переводится как «современное искусство», эквивалентом чего в русском языке служит слово «модернизм». Этот термин означает в первую очередь, отход произведений от традиционной академической школы живописи. Это огромная богатая на художественные события эпоха, основные вехи которой будут затронуты далее.

Основным стимулом перехода модернизма в живопись в XIX веке было изобретение фотографии и популяризация её среди населения. Многие художники буквально оказались без заказов так как ни один художник не сможет изобразить реальные формы достоверней чем фотография. Изобретение фотографии, с одной стороны, повергло художников в неприятный шок, но, с другой стороны, от художников больше не требовалось находиться в жёстких рамках натурализма – пришло время экспериментов и поисков.

А что, всё-таки, не могла дать фотография? Художники нашли ответ – цвет. Фотография конца XIX века не могла передать всю богатую палитру окружающего мира и эта идея стала находкой для художников. Цвет возвели в культ. Впервые художники начали выезжать на природу для написания картин, мазки кисти стали более динамичными, раздельными, форма стала условной. Через цвет художники выражали как и красоту и уникальность мимолётного мгновения, так и сильные эмоции и чувства. Так началась первая ветка модернизма – «хроматизм»(импрессионизм, постимпрессионизм, фовизм, и т.д).

Когда в цвете было сказано буквально всё, (примерно, в течении 30 лет) искусство стало нуждаться в новых способах выражения. С точной формой изображаемого справилась фотография, максимальную силу и влияние цвета раскрыли в хроматизме – что дальше? А дальше опять возвращение к форме, только далеко не в привычном её понимании…

Художники начала XX века осознали, что на самом деле тема формы не исчерпана и тут раскрываются огромные возможности – изменить привычный облик вещей для ещё большей выразительности заложенных смыслов. Можно представить такую аллегорию  – живопись стала похожей на кривое зеркало, затем на разбитое кривое зеркало с застывшим отражением, которое склеили не в том порядке в котором оно было изначально (шуточная образная иллюстрация кубизма). Если серьезно, то помимо оригинального и эффектного изображения, художники кубисты как бы показывали, что возвышенный и гармоничный неспешный мир потрескался и реальность на ряду с живописью больше не доставляет того мечтательного созерцания, как раньше. В картинах появились углы о которых можно порезаться. Изображение женщин от возвышенных чистых богинь перешло в искорёженные тела и лица уличных женщин. Художников стали больше вдохновлять не милые фарфоровые личики, а жуткие африканские маски.

Эксперименты с изменением обыденного вида предмета создали новые открытия – какое мощное воздействие на сознание и подсознание человека оказывают разнообразные формы, не загнанное в тиски академических правил построения. Вдохновляясь этим озарением художники начала XX века начали задумываться о том, зачем вообще менять форму предмета, если можно создавать её с нуля в чистом виде. Зачем нужна «предметность»? И так живопись полностью очистилась от материи и перешла в живопись беспредметную, отражающую духовность, чувства и идеи в чистом виде без привязки к физическому объекту совсем. Так родилась абстракция.

В начале XX века грянула первая мировая война. Сильнейшее потрясение для Европы. Было бы странно художникам и дальше изображать прекрасные формы и цвета. Творчество, как совокупность всех человеческих помыслов и настроений выплеснулось в протест и провокацию. Бред и абсурд, юмор и, практически хулиганство – всё это нашло выражение в искусстве, и это то, чем лечились измученные войной люди. В эту эпоху возникли такие направления как сюрреализм, дадаизм и другие. Бессмыслица была бальзамом на душу тем, на чьи плечи легла невыносимая серьезность реальности вокруг. Художники направления Дада чувствовали, что война ставит под сомнение каждый аспект общества, способного начать эту войну, и под угрозой было искусство самого общества.

Их целью было уничтожить традиционные ценности и создать новое искусство взамен старого. Как позже писал художник Ганс Арп: «Мы в Цюрихе, разгромленные мясорубкой 1914 года, посвятили себя искусству. Пока пушки грохотали вдали, мы пели, рисовали, делали коллажи и писали стихи изо всех сил, как могли». Помимо антивоенного, стиль дада был ещё и антибуржуазным и имел политические связи с радикально левой фракцией. Основателем дада был писатель Уго Болл. В 1916 году он основал сатирический ночной клуб в Цюрихе, кабаре «Вольтер», и журнал, который, как говорил Болл, будет носить имя «Дада».

Все вышеизложенное – это очень упрощённое объяснение раннего и позднего модернизма. В эти приблизительно сто лет (середина 19 века – середина 20 века) произошел максимальный разворот искусства. Это было удивительное время для художников. За относительно короткий период времени можно было наблюдать стремительное и захватывающее изменение направлений живописи, стилистики работ, идей, подачи и настроений. Бесчисленное количество «измов» каждый из которых заслуживает внимания для отдельной статьи и даже книги. Если подвести итог, то все описанные течения – это «современное искусство» с тем контекстом, что это не академическая традиционная живопись.

Постмодернизм

Начало постмодернизма – это примерно середина XX века. В цвете было все сказано, в форме тоже, в принципе в самой живописи все сказано. Что же дальше? А дальше мир чистых идей. Изобразительный метод стал формальностью, который служит главному – концепции и смыслу. От поп арта до концептуального искусства и перформанса.

Прежде чем перейти к следующим видам современного искусства, давайте определимся, почему модернизм и постмодернизм до сих пор могут относиться к «современному искусству»? До эпохи модернизма стили живописи начинались, проходило около ста лет и на смену старому стилю приходили новые. Предыдущие стили считались устаревшими. А начиная с эпохи модернизма и заканчивая постмодернизмом, художественные методы перестали уходить в прошлое. Все изобретенные направления этих эпох до сих пор используются художниками в контексте «современного искусства». Например, возьмите абстракцию, импрессионизм или концептуальное искусство – все это смотрится свежо и актуально на сегодняшний день, несмотря на то, сколько прошло лет с момента их изобретения. Это даже скорее способы художественного выражения а не стили. Меняются темы, но художественные методы, чаще всего, остаются в пределах модернизма и постмодернизма.

Contemporary Art – с английского языка также переводится как «современное искусство». В чем разница между Modern Art и Contemporary Art? Если брать определение лондонской галереи современного искусства Tate, то термин Contemporary Art широко используется для обозначения искусства настоящего и относительно недавнего прошлого, новаторского или авангардного характера. Contemporary Art определялось как искусство последних десяти лет на постоянной основе. Все, что в пределе 10 лет от нашего времени и назад – это Contemporary Art.

Актуальное искусство – это отражение в художественных работах современных, социальных, культурных и духовных аспектов времени. В принципе, почти то же самое, что Contemporary Art, только термин введен с адаптацией на русский язык в начале 21 века. В целом это тоже противостояние традиционалистам – разработка экспериментальных новых идей, подачи и выражения. Относится к настоящему времени.

Современное искусство. В широком смысле. Современное искусство не как специальное определение или название, а буквально – искусство наших современников. Не обязательно оно должно отражать время, быть актуальным. Современное искусство «в буквальном смысле», может быть как изящным, так и модернистским, просто это те картины, которые написаны совсем недавно. Возможно, в пределах десяти лет как и Contemporary Art, но тонкая разница есть. Всё-таки Contemporary Art – это более новаторский подход к художественному выражению, а наши современники могут написать картину в традиционном стиле. К примеру, здание, которое открылось в этом году – и это тоже будет, буквально, современным искусством.

Итоги

Истоки «современного искусства» в идейном плане, происходят от модернизма. Изобразительные методы живописи модернизма, которые используются сейчас, считаются современными, потому что они не относятся к классической школе.

Contemporary Art – это искусство в пределах 10 лет от нашего времени и назад, как правило с авангардным и новаторским уклоном. То, что уходит из десятилетия становится постмодернизмом.

Современное искусство в широком смысле может быть актуальным (отражать культурные, социальные и духовные аспекты времени) и просто документировать художественным языком события нашего времени, даже если оно в традиционном стиле.

До сих пор существует моего споров и мнений о том, что является современным искусством и, правда, изучая этот вопрос глубоко, можно запутаться ещё больше. Главное, понимать, что знание всех этих направлений живописи, стилей, подходов и эпох будет пустым звуком, если при восприятии работы художника, в первую очередь, не появилось желание никак это не анализировать, а просто вобрать в себя как плод творчества, чтобы насытить то не названное и незримое в нас. Если контакт состоялся, дальше уже можно «познакомиться», в основном для того, чтобы понять какой именно путь художественного выражения вам близок и, погружаться глубже в этот захватывающий и разнообразный мир искусства.