Автор: Рус Бикетов

  • «Будем честны — Сидоркин не монументалист»: какая судьба ждет сграффито Евгения Сидоркина в ЦСК «Целинный»

    «Будем честны — Сидоркин не монументалист»: какая судьба ждет сграффито Евгения Сидоркина в ЦСК «Целинный»

    Центр современной культуры «Целинный» откроет свои двери уже в декабре этого года. Об этом заявила директорка Джамиля Нуркалиева в ходе пресс-тура и панельной дискуссии о судьбе сграффито Евгения Сидоркина, которые прошли в начале июня.

    Спустя шесть лет реконструкция здания подходит к завершению, и команда «Целинного» активно готовится к выставочному сезону в собственном доме. Все это время они организовывали свои проекты на площадках других арт-институций Алматы.

    Однако актуальным остается вопрос о судьбе остатков сграффито Сидоркина, которое было обнаружено в 2018 году в ходе подготовительных работ к реконструкции и вызвало не мало споров среди местных жителей о его будущем. О том, что было на общественных слушаньях и какая судьба ждет монументальную работу Евгения Сидоркина рассказывает главный редактор Art of Her Рус Бикетов.


    Откуда взялось сграффито Евгения Сидоркина?

    В 1964 году по проекту архитектора Савелия Розенблюма было построено здание кинотеатра «Целинный». Как сообщают в пресс-службе ЦСК, 12 октября 1964 года состоялось совещание Художественного Совета Казхудожфонда, которое постановило принять «с оценкой отлично» выполненную художником Сидоркиным «орнаментальную роспись способом «сграффито». Это и была та самая большая композиция многослойного сграффито для фойе «Целинного».

    В 2001 году кинотеатр вошел в киносеть «Отау синема» и был полностью реконструирован: основной зал разделили на два, изменили фасад, надстроили второй этаж, зашили в гипсокартон сграффито Сидоркина.

    В 2016 году задние бывшего кинотеатра, которое некоторые эксперты стали относить к памятнику раннего модернизма, купил бизнесмен и меценат Кайрат Боранбаев, решив открыть на его месте Центр современной культуры. Тогда местные общественники забеспокоились, что историческое здание снесут, как и кинотеатр «Алатау», на месте которого компания, принадлежавшая Боранбаеву, открыла известную мировую сеть ресторанов быстрого питание.

    Однако бизнесмен заверил жителей, что сносить здание бывшего кинотеатра не планируется. Тогда специалисты стали разрабатывать план реконструкции, который осложнялся некачественным строительством и отсутствием современным норм сейсмостойкости у здания.

    «Когда мы подали проект реконструкции, проводилось исследование, по результатам которого нам сообщили, что здание подлежит сносу. Во-первых, это некачественное строительство. В советские годы его строили в рекордные сроки, потому что по своей идеологии оно должно было закрыть Никольскую церковь. Во-вторых, отсутствие укреплений согласно современным сейсмическим нормам. Но мы все же приняли решение сохранить историческую ткань здания. Для этого мы обратились в КазГАСА, чтобы они разработали нам проект укрепления», — рассказала Джамиля Нуркалиева.

    В 2018 году, в ходе подготовки к реконструкции, были обнаружены остатки сграффито Евгений Сидоркина, которое считалось уничтоженным еще во время реконструкции 2001 года. Команда «Целинного» решила сохранить остатки работы, проделав большую работу по их консервации: специалисты демонтировали сграффито, то есть вырезали его огромными блоками, укрепили стены и обратно «прикрепили».

    «Мы предполагаем, что на тот момент строители поленились уничтожать его до конца, поэтому верхнюю часть сграффито они оставили», — говорит Джамиля Нуркалиева.


    Какая судьба ждет сграффито?

    Британский архитектор Асиф Хан, разрабатывающий проект ЦСК «Целинный», считает, что сграффито не должно выступать в роли главного арт-объекта в Центре, так как в таком случае оно будет забирать все внимание зрителей на себя, уводя от основной деятельности «Целинного» – поддержки современных художни_ц. Он предлагает оставить работу Сидоркину в том состоянии, в котором ее нашли, но покрыть белой краской, через которую будут видны очертания сграффито. Таким образом сохранится история, не отягощающая настоящее и будущее современного искусства страны.

    «Мое личное мнение — в нашей истории достаточно шрамов, и нам не нужно каждый день видеть перед собой еще больше боли, потому что это становится единственным, о чем мы думаем, и это мешает нам двигаться вперед. Лично меня с художественной точки зрения больше интересуют два варианта: либо создать своего рода призрачное присутствие, либо заполнить панно полностью», — сказал он.

    С Асифом Ханом согласен и известный казахстанский архитектор Алмас Ордабаев, по словам которого, представленный проект ЦСК отлично вписывается в современные реалии и актуальные вопросы деколонизации.

    «Будем честны — Сидоркин замечательный художник-график, но никакой не монументалист. И не надо в этом фойе его выставлять, нужно оставить место для художников Казахстана… Если учитывать заветы венецианской хартии, если ты не знаешь, как это было в самом деле, то сделай что-то нейтральное», — отметил Ордабаев.

    Стоит отметить, что среди участни_ц общественного слушанья были и те, кто выступал за реставрацию сграффито и его сохранении как центральной части здания. Однако эти идеи не вызвали широкой поддержки среди других участни_ц.

    Предполагается, что основное решение по судьбе сграффито будет принято собственниками основываясь на мнениях специалистов. Но как мне кажется, итог этой истории был уже определен и проект Асифа Хана будет реализован в полном объеме. Я лишь добавлю, что частные институции – это частная собственность. Важно помнить об этом. Но в случае с ЦСК «Целинный», создается новый локальный прецедент, когда предприниматель готов вступать в диалог с местным арт-сообществом и желает стать его полноценным участником.

    Мне также импонирует философия директорки Джамили Нуркалиевой, которая буквально заявляет: «Мы не открещиваемся от прошлого, мы находимся с ним в диалоге». Это простая мысль подкрепляет мое мнение о том, что Центр современной культуры «Целинный» находится на правильном пути и сегодня является одной из флагманских площадок современного искусства в Казахстане.

  • Art Basel: что важно знать о самой крупной ярмарке современного искусства?

    Art Basel: что важно знать о самой крупной ярмарке современного искусства?

    В эти дни небольшой швейцарский город Базель стал главной целью арт-дилеров и экспертов со всего мира. С 10 по 16 июня там проходит 54-ое издание крупнейшей ярмарки современного искусства Art Basel.

    В этом году для участия было отобрано 285 галерей из 40 стран. Свои стенды впервые представят 22 галереи — это важная деталь для директора Art Basel Майке Круз.

    «Для меня очень важно осуществить смену поколений», — говорит она.

    Отметим, что в этот раз ярмарка проходит на фоне нестабильной экономической ситуации. Согласно последнему отчету, подготовленному Art Basel и банком UBS, отмечено 4% замедление темпов роста мирового арт-рынка. Но несмотря на это, организаторы ярмарки смотрят в будущее с оптимизмом.

    Почему все так стремятся попасть в Базель? В чем особенность и какова история самой крупной арт-ярмарки в мире? Рассказывает главный редактор Art of Her Рус Бикетов.

    История Art Basel

    Ярмарка была основана в 1970 году швейцарскими арт-дилерами и коллекционерами Эрнстом Бейелером, Трудл Брукнер и Бальцем Хильтом. Идея создания арт-площадки, которая бы привлекала коллекционеров и арт-экспертов со всей Европы была взята у старейшей в мире арт-ярмарки Kunstmarkt Köln (Art Cologne), основанной в 1967 году и проходящей в городе Кёльн (Германия).

    Идея ярмарки не случайно родилась именно в Базеле. Небольшой город на реке Рейн на северо-западе Швейцарии расположен на стыке трех стран — Швейцарии, Германии и Франции. Из-за удачного местоположению, в Базель можно легко добраться из любого крупного европейского города.

    В первый год своего существования Art Basel собрала 90 галерей из 10 стран и привлекла около 16 тыс. посетителей. Это был грандиозный успех, на который тут же обратили внимание крупные игроки мирового арт-рынка. Следующие издания ярмарки стали привлекать не только европейских арт-дилеров, но и американских, которые искали внешние рынки из-за экономики США, переживающей на тот момент спад.

    Широкий успех позволил Art Basel в 1994 году заключить выгодное соглашение о партнерстве с крупнейшим швейцарским финансовым холдингом UBS. Кстати, в этом году ярмарка отмечает свое 30-летнее сотрудничество с банком.

    Кроме этого, успех в Швейцарии привел к созданию трех дочерних ярмарок — Art Basel Miami Beach, которая проводится в США с 2002 года, Art Basel Hong Kong, запущенная в 2013 году и Paris+ par Art Basel с 2022 года. Эти ярмарки позволили расширить географию мероприятия и привлечь новых участников и зрителей.


    Структура Art Basel

    Ярмарка делится на несколько секторов, каждый из которых представляет определенный аспект современного искусства:

    Galleries – главный и самый престижный сектор, где представляют свои экспозиции ведущие галереи мира. Здесь можно увидеть работы как известных мастеров, так и перспективных молодых художников.

    Feature – сектор, посвященный кураторским проектам самых знаменитых художников XX века. Это могут быть как персональные, так и групповые выставки.

    Statements – сектор для галерей, которые представляют работы молодых художников. Благодаря этим стендам глобальный арт-рынок открывает для себя новые имена в современном искусстве, а двое лучших получают премию Bâloise Art Prize. Кроме этого, работы отмеченные наградой приобретает банковская компания Bâloise Group и передает их в музеи современного искусства Люксембурга и Франкфурта.

    Unlimited – сектор, позволяющий экспонировать работы внушительного формата. Здесь представлено разнообразное современное искусство — от гигантских панно и скульптур до масштабных инсталляций, видеопроекций и живых выступлений художников.

    Edition – сектор, посвященный печатным изданиям и произведениям тиражной графики.

    Parcours – сектор, который включает стенды, инсталляции и перформансы, размещенные в различных местах Базеля.

    Участвовали ли галереи из стран Центральной Азии в Art Basel?

    На данный момент не было ни одного прецедента участия центральноазиатских галерей в Art Basel. Как отмечают эксперты, ежегодно почти 1000 галерей со всего мира подают заявки на участие в ярмарке, но отборочная комиссия отбирает не более 300.

    Для местных галеристов попасть в Art Basel – сложная задача. Для этого нужно поддерживать высокие международные стандарты, что почти невозможно из-за отсутствия развитого локального арт-рынка. Кроме этого, аренда стенда на такой масштабной ярмарке – это большие затраты, которые, скорее всего не окупятся.

    Однако, во время основной ярмарки в Базеле проходит VOLTA Art Basel, где в свое время участие принимали казахстанские галеристы – Владислав Слудский и его Qazart, Данагуль Толепбай и ее Pygmalion Gallery.

  • Что такое Венецианская биеннале?

    Что такое Венецианская биеннале?

    В Венеции начался предварительный показ для прессы 60-го издания Венецианской биеннале. Это одна из самых популярных, старейших и престижных площадок Европы для презентации искусства. Участие в этом масштабном смотре принимает более 85 стран со своими национальными павильонами, а посещает его более 800 000 арт-экспертов и зрителей (по данным за 2022 год) со всего мира.

    Для художников_ц иметь в портфолио участие в Венецианской биеннале, означает не только высокий уровень признания, но и несомненный рост цен на работы, увеличение продаж и узнаваемость в мировом арт-сообществе. Именно поэтому в эти дни все внимание экспертов и любителей искусства приковано к событиям в Венеции.

    Как появилась Венецианская биеннале? Какая структура у главной мировой выставки искусства? Что сделать, чтобы стать частью этого события? Принимают ли в ней участие страны Центральной Азии? — ответы на эти и другие вопросы подготовил главный редактор Art of Her Рус Бикетов.


    Когда появилась Венецианская биеннале?

    Идея проекта принадлежит итальянскому консулу Риккардо Сельватико, который был большим поклонником живописи, скульптуры и музыки. Впервые он предложил эту идеи 1893 году, а уже спустя два года – в 1895 –, была учреждена и организована Международная художественная выставка Венеции.

    На самом деле, подобные масштабные выставки уже организовывались в Европе ещё в XVIII веке, но таких успехов, как Венецианская биеннале, они не достигли.

    Первая выставка состоялась с участием короля Италии Умберто и королевы Маргариты. Тогда было представлено 516 работ, из них 188 — итальянцев, а остальные — иностранцев. Участие в ней принимали художники_цы из 16 стран. Выставка, которую посетило более 200 000 человек, быстро зарекомендовала себя как жизненно важный источник туризма и торговли.

    Впоследствии она получила название «Биеннале» (от итальянского biennale «дважды в год»). На рубеже ХХ века начали строиться первые национальные павильоны. Так, в садах Джардини появились павильоны Бельгии (1907), затем Венгрии, Германии и Англии (1909), Франции (1912), России (1914) и других стран.

    Престиж биеннале быстро достиг международного масштаба, а когда после Второй мировой войны, в 1948 году ее регулярное проведение возобновилось, она стала площадкой общепризнанного международного авангарда.


    Что такое главная тема выставки и кто ее художественный руководитель?

    С 1980 года на каждое издание Венецианской биеннале организаторы выбирают нового художественного руководителя, который задает основную тему и курирует главную выставку.

    В этом году куратор главной выставки – Адриано Педроса, руководитель Художественного музея Сан-Паулу в Бразилии. Его проект на 60-й Венецианской биеннале «Иностранцы повсюду» посвящен теме мигрантов и является своеобразной провокацией направленной на волну антииммигрантских программ, охватившую в последнее время Европу и США.

    Интересно, что согласно данным издания Art News, за все время существования биеннале, только три выставка были организованы женщинами-кураторами и только одна куратором африканского происхождения.


    Что такое национальный павильон?

    Национальный павильон – это площадка страны-участницы, на которой ее кураторы_ки и художники_цы презентуют свой выставочный проект, как правило, ориентированный на основную тему биеннале.

    Страна-участница самостоятельно несет ответственность за расходы на строительство/аренду, содержание и программирование своего павильона.

    Поскольку в Джардини вместилось всего 30 павильонов, выставки других стран-участниц начали проводиться в Арсенале и на других площадках города. В 1995 году Южная Корея была последней страной, построившей павильон в Джардини.


    Участвуют ли страны Центральной Азии в Венецианской биеннале?

    Впервые страны Центральной Азии (Казахстан, Узбекистан, Кыргызстан и Таджикистан) были представлены в Венеции в 2005 году в формате совместного павильона. Он проработал до 2013 года.

    В 2022 году Казахстан и Узбекистан получили собственные национальные павильоны.


    Что в этом году представлено в павильоне Казахстана?

    Казахстан представил проект «‎Jerūiyq»: взгляд за горизонт». Это современная интерпретация древней легенды о мифической земле под названием «Jerūiyq».

    В экспозиции представят футуристическую работу Камиля Муллашева «Земля и время. Казахстан», монументальное полотно Ерболата Толепбая «Новый ребенок. Перерождение», экспериментальные проекты Сакена Нарынова «Шесть жизней одной души» и «Конец начала или начало конца», инсталляцию Сергея Маслова «Байконур-2», саунд-инсталляцию арт-дуэта The2vvo «Присутствие» и мистическое видеоэссе Анвара Мусрепова «Аластау».

    Кураторами национального павильона Казахстана выступили Данагуль Толепбай и Анвар Мусрепов.


    Что в этом году представлено в павильоне Узбекистана?

    Узбекистан представляет проект «‎Don’t miss the cue» («Не пропусти свой выход») художницы Азизы Кадыри и творческой группы Qizlar Collective. Он затрагивает темы принадлежности и идентичности через опыт женщин из Центральной Азии, исследуя, как они ориентируются и переосмысливают себя в процессе миграции.

    Выставка организована под кураторством Центра современного искусства в Ташкенте.


    Как стать участником_цей Венецианской биеннале?

    Отбор участников_ц для основной выставки проводит назначенный художественный руководитель (куратор). В этом году из Центральной Азии на главной площадке представлена художница из Таджикистана Назира Карими.

    Что касается национальных павильонов, то каждая страна делает свой собственный выбор. Например, в США за это отвечает Консультативный комитет по международным выставкам — группа экспертов, собранная Национальным фондом искусств по соглашению с Госдепартаментом США.

    В Казахстане выбор художников_ц, которые будут представлять страну на главной мировой площадке, остается неясным. Нет четкой процедуры принятия решений, так же как и нет прозрачности.


    Есть ли призы за лучшую выставку?

    Существует три главные награды — «Золотой лев» за лучшее национальное участие, «Золотой лев» лучшему участнику_це основной выставки и «Серебряный лев» самому многообещающему молодому участнику_це основной выставки. Их вручает международное кураторское жюри.

    Кроме основных наград, есть несколько второстепенных, среди которых особые упоминания молодых художников_ц основной выставки и национальных павильонов.


    Где следить за новостями 60-й Венецианской биеннале?

    В этом году Art of Her планирует серию специальных публикаций с Венецианской биеннале от критикессы Дильды Рамазан. Кроме этого, в новостном отделе редакции создана специальная группа, которая следит за оперативными сводками с Венеции.

  • Стали известны проекты национальных павильонов Казахстана и Узбекистана на 60-й Венецианской биеннале

    Стали известны проекты национальных павильонов Казахстана и Узбекистана на 60-й Венецианской биеннале

    Президент Венецианской биеннале Роберто Чикутто и главный куратор 60-го издания выставки Адриано Педроса официально презентовали программу мероприятий, которые пройдут в Венеции с 20 апреля по 24 ноября 2024 года. В опубликованном документе имеется информация и о национальных павильонов Казахстана и Узбекистана.

    Узбекистан представит проект «‎Don’t miss the cue». Кураторская группа Центра современного искусства выставят работы мультидисциплинарной художницы Азизы Кадыри. Комиссаром национального павильона выступил государственный Фонд развития культуры и искусства Узбекистана.

    Национальный павильон Казахстана будет представлен проектом «‎Jeruiyq». Под кураторством Данагуль Толепбай и Анвара Мусрепова (представители арт-галереи Pygmalion — прим. ред) будут выставлены работы Ерболата Толепбая (отец Данагуль Толепбай — прим. ред), Камиля Муллашева, Сакена Нарынова, Сергея Маслова, Анвара Мусрепова и арт-дуэта The2vvo (Эльдар Таги и Лена Позднякова). Комиссаркой павильона выступила министресса культуры и информации РК Аида Балаева.

    «Мне нравится, как в рамках павильона Казахстана Данагуль Толепбай выставляет Ерболата Толепбая, а Анвар Мусрепов выставляет Анвара Мусрепова‎», — иронично написала арт-критикесса Дильда Рамазан в своем телеграмм-канале «‎өнер critique».

    Отметим, что на момент публикации материала Министерство культуры и информации РК, кураторы Данагуль Толепбай и Анвар Мусрепов, не опубликовали никакой официальной информации о проекте национального павильона на 60-й Венецианской биеннале. На протяжение последнего месяца редакция Art of Her несколько раз связывалась с ними и запрашивала описание проекта. В ответ мы получили несколько отказов, в том числе в пресс-службе Министерства культуры и информации РК заявили, что «‎в данный момент не владеют информацией».

    Нам кажется странным, что в рамках Национального павильона, представляющим искусство страны на одной из престижных выставок Европы (а может и мира?), не проходили открытые слушанья и публичный отбор с участием всех представителей арт-сообщества Казахстана. Выборка художников остается большим вопросам для многих локальных арт-экспертов_к.

    «Не думаю, что на этом этапе нужно и возможно дать павильону объективную оценку, потому что мы увидим его только в апреле. Поэтому аутодафе можно отложить на попозже. Непрозрачность принимаемых решений продолжает расстраивать, с другой стороны мир розовых пони, где все мы взявшись за руки каждый год выбираем художников павильона, имеет мало общего с реальными механизмами отбора в случае с другими странами. Основной вопрос — это, конечно, финансирование и партнеры проекта. Если это частный капитал — одна ситуация, если за выставку платит государство — это другая. Пока мы не знаем бюджет павильона и способы его финансирования, а также что в итоге там будет, очень сложно делать какие-то взвешенные заключения», — говорит Влад Слудский, арт-эксперт.

  • «Я не делаю никаких политических работ»: Галымжан Балсары об уличном искусстве и его свободе в Казахстане

    «Я не делаю никаких политических работ»: Галымжан Балсары об уличном искусстве и его свободе в Казахстане

    Стрит-арт, или уличное искусство — одна из самых ярких и недопонимаемых тем среди казахстанского общества. Направление, которое зародилось от классических нью-йоркских граффити-райтеров в 1970-1980-х годах, остается сложным для восприятия местными и сравнимо ими с обычным вандализмом, без приставки «арт».

    Граффити, муралы, теги, постеры, рисунки на асфальте — все это – уличное искусство, которое, по мнению некоторых историков, начинает свой отсчет от наскальных рисунков первых людей и настенных объявлений в Древней Греции. Возможно, это именно тот вид искусства, который сопровождает человечество всю его жизнь.

    В современном мировом контексте стрит-арт стал символом свободы и борьбы. Голосом человека, не подвластного ни деньгам, ни власти. Но истеблишмент все же пытается обуздать уличное искусство и его деятелей, активно подкупая художников для создания пропагандистских муралов.

    Берлин, Майами, Лондон, Киев, Варшава – столицы мирового стрит-арта, которые привлекают не только художников со всего мира, но и многочисленных туристов. Могут ли Алматы, Астана или Караганда стать новыми мировыми центрами притяжения уличного искусства?

    Главный редактор Art of Her Рус Бикетов поговорил с алматинским уличным художником Галымжаном Балсары об истории стрит-арта, свободе в период Жаңа Казахстана и смыслах, которые не всем понятны.


    Что для тебя стрит-арт? Существует ли он в своем традиционном представлении в современном Казахстане?

    Что для меня стрит-арт? Мне кажется, это какая-то около маркетинговая история, потому что я ссылаюсь всегда на западных художников, кто начинал двигаться в этом. Но если брать саму историю, обратиться к корням, то принято разделять граффити, стрит-арт, мурал-арт и паблик-арт.

    То есть это подразделы уличного искусства?

    Я бы так не сказал. Граффити-райтеры не считают себя стрит-арт-художниками. Между ними большая разница. Да, корни одни, но цели фактически разные. В первую очередь, граффити – это про проявление истинного эго. Это очень субкультурное движение, где прочитать твои буквы и стиль могут только те, кто сам занимается этим. Их цель – стать знаменитым, но в своей среде, среди тех, кто это понимает.

    Условно говоря, стать королем улиц…

    Да. Король улиц, король стиля – это все оттуда идет. В целом, граффити тесно связано с хип-хопом, где тоже есть этот соревновательный эффект. Почему граффити эволюционировало? Потому что на одном блоке либо на одном вагоне ты оставил свое имя, сделал это классно и ушел. Приходит следующий и старается сделать еще круче. От этого и идет рост. Начинали все с теггинга, с простых закорючек, а дальше стали экспериментировать и добавлять обводку, менять цвета, дополнять какими-то иллюстрациями из комиксов. В целом, они дошли до пика развития. Уже после пошла вторая волна, которая появилась в Европе, в Германии, после выхода документальных фильмов.

    Поэтому стрит-арт вдохновлен граффити, но он никак не является граффити. Граффити – это написание букв, своего имени.

    Первоисточник стрит-арта – граффити. Верно?

    Да, можно так сказать. Если мы вспомним Нью-Йорк 70-80-х годов XX века, там как раз таки с этого все и началось, с граффити. Позже французский художник Блек ле Рат вдохновился нью-йоркским граффити, но не мог писать его в классическом проявлении, и тогда он сообразил, что можно сделать трафарет и тот же баллончик с краской. Кстати, именно Блек ле Рат – первый, кто начал рисовать крыс, а не Бэнкси, как многие считают. 

    Потом настал период, когда первопроходцы граффити-культуры были на пике популярности, их работы выставляли в галереях, а коллекционеры покупали за большие деньги.

    Если брать стрит-арт, то переходный период был связан с Жан-Мишелем Баския. Он не писал классические буквы, а наносил баллоном какие-то выражения, провокационные мысли, идеи. У него был никнейм SAMO, или same old shit. Его фишка была в том, что он понимал, что нужно привлекать внимание не где-то на блоках в гетто, а в Манхэттене, в дорогом районе. Это притянуло к нему очень сильное внимание. Еще был Кит Харинг, такой же яркий представитель из нью-йоркской школы. Он тоже был вдохновлен идеей, что можно свободно доносить свои мысли через использование той же техники.

    А что происходит у нас? Как развиваются граффити и стрит-арт? Если я правильно понимаю, то в Казахстане эти направления существуют около 25-30 лет, верно?

    Ну, если брать граффити, то да. Те, кто начинал с граффити, почти не остались в этом направлении. Одними из первых были Repas, тогда они назывались Street Art Production. В целом, если про стрит-арт говорить, то мне нравится само понятие, которое ввели художники из России – художники уличной волны. То есть это все те, кто когда-то начинал с классического граффити, а после перешел в графический дизайн или в стрит-арт. И в целом, они как будто создали новый язык взаимодействия с пространством.

    Да, но это в России, а  что у нас? Появился какой-то свой уличный язык? 

    У нас, мне кажется, нет. Во-первых, очень мало людей, кто занимается классическим граффити. У нас в целом как бы это все перемешано: и граффити, и стрит-арт. Я сам начинал с того, что рисовал буквы, был граффити-райтером. Но потом я понял, что, блин, я дойду до какого-то предела, и мне станет скучно. И поэтому я начал интересоваться стрит-артом. То есть где-то использовать трафареты и один образ носорога. 

    Первый, кто у нас стал суперзвездой в стрит-арте,  – это, наверное, Паша Кас . Он действительно задает глубинные вопросы с очень большими смыслами. Он не играет на этих темах, а пытается донести до людей важные экологические, социальные и политические проблемы. Раньше у нас никто этого не делал, он был первым. Как мне кажется, Паша проверял, насколько можно растянуть у нас вот эту штуку с цензурой. И у него получилось!

    Если говорить в контексте Жаңа Казахстана, что-то изменилось? Ты чувствуешь эту свободу?

     В целом, я сейчас занимаюсь растягиванием этого момента — момента с цензурой и допустимым количеством работ в городской среде. У многих, кто приезжает, такое ощущение, что я забираю пространство. То есть здесь такая история, что ты где-то сделал работу, и это уже твоя стена. Ты ее пометил. Но сейчас я стал замечать, что в центре Алматы их начали активно закрашивать. Не знаю, с чем это связано.

    У тебя тоже была забавная история с носорогом, когда его закрасили портретом президента Касым-Жомарта Токаева.

    Да, классная история, в которой сама стена обретает историю. Мне кажется, что там решил кто-то поприкалываться. Там до этого была другая работа, которую плохо закрасили, и остались видны контуры. Они даже в цвет не попали. Я решил, что было бы классно сделать там что-нибудь. Но буквально через четыре дня мою работу закрасили.

    Но если рассмотреть этот вопрос с другой стороны. С точки зрения закона, то, что вы делаете, – вандализм, порча городского имущества. Соответственно, чтобы устранить это и привести стену в первоначальный вид, местные власти используют деньги налогоплательщиков из городского бюджета – закуп краски, валиков и услуги рабочих.

    Ну, как мне кажется, там очень много моментов, связанных с коррупцией. Я бы не сказал, что там народные деньги уходят на это. Скорее всего кому-то из частников отдают приказ, и он закрашивает стены, даже не попадая в цвет.

    При этом я хочу отметить, что выбираю уже уродливые места или те, которые меня визуально раздражают. Например, реклама наркотиков или слабые тэги других ребят. Если местные власти ничего с ними не делают, то в игру вступаю я, чтобы хоть как-то закрасить это.

    Я, в принципе, не люблю вандалить, оставлять работы на какой-то частной собственности. Я выбираю те стены, которыми никто не занимается в городе, на них не обращают внимание.

    Галымжан Балсары. Фото: Instagram @gammaoverdoze

    Ты известен своими изображениями носорогов по всему городу. Почему носорог?

    Изначально у меня была просто идея начать двигаться в сторону стрит-арта, и я искал образ. И вот я его нашел через это животное. С января 2020 года я оставляю его как свой знак или лого. Это та же история, что и про граффити, когда ты оставляешь свой никнейм, то есть им вы показываете: я здесь был.

    Сколько таких твоих носорогов насчитывается в Казахстане?

    Сначала я думал, что дойду до 50 и все, расходимся. Потом понял, что можно и до 100 дойти. На сегодняшний день их около 120.

    Но сейчас, я думаю, возможно, будет какой-то переходный период, потому что одни и те же инструменты уже немного надоедают. Хочется экспериментировать.

    Можно ли сказать, что твои носороги появляются не только для того, чтобы заявить о себе, но также подчеркнуть какую-то проблему?

    Бывает и такое. Я переживал насчет родного города – Экибастуза, когда там зимой 2022 года люди остались без отопления. Я нарисовал одного носорога, посвященного этой проблеме. Затем у меня есть несколько носорогов, которых я сделал на Арбате. Они посвящены Дархану Джузу, который скоропостижно скончался в феврале 2023 года. Я хотел запечатлеть память о нем через мои работы. На каждой из них я написал название треков, которые были в его альбоме.

    Все-таки трушный стрит-арт легальный или нелегальный?

    Нелегальный. 100%. Это все равно делается не в дневное время. Это не согласовывается ни с кем. Мне кажется, в этом и кайф, что он делается нелегально. Тут больше про ощущение свободы, отсутствие цензуры. И мне кажется, это какая-то борьба. Борьба за равноправие, за пространство. 

    Но несмотря на антитрадиционный настрой, именно большие люди из элитарного круга решают, кто, где и за сколько будет продаваться. Получается, что уличное искусство зависимо от традиционных институций? Если бы тебе сейчас сообщили, что твою работу хотят выставить на аукционе Sotheby’s или Christie’s, ты бы согласился играть по их правилам?

    Думаю, да. Но у нас не особо развит рынок, и хотелось бы создать какой-то прецедент, чтобы на самом деле и это случилось. Но да, мне нравится стрит-арт именно как инструмент, чтобы показать, что, помимо этого, я делаю и многое другое. Казахстана нет в истории искусств. У Казахстана нет прям ярких представителей стрит-арта или граффити, известных за рубежом. И хотелось бы создать вот эту движуху и сказать: мы есть. Помимо этих носорогов, я еще рисую и на холстах, я могу организовывать выставки. Но чтобы заявить о себе миру, нужен какой-то новый язык. Вопросы, которые меня сейчас интересуют, – это деколонизация и то, кто мы сейчас, кем мы являемся. 

    Но теряют ли свой смысл стрит-арт-работы, когда переносятся из уличного пространства в галерейное? Все-таки это история, которую ты создаешь вокруг городской среды.

    В первую очередь, можно сказать, что стрит-арт невозможен в галерейном пространстве.  Работы теряют свою энергетику и теряют свой смысл. Поэтому я как бы разделяю, где я делаю что-то для галереи, и то, что я делаю на улице. Здесь четкое разделение. 

    Да и звучит это абсурдно. Ну как это может быть уличным искусством, если вы его поместили в галерею, в определенные рамки? У стрит-арта нет рамок, он ограничен только городским пространством.

  • Против логики войны: пятое издание Киевской биеннале

    Против логики войны: пятое издание Киевской биеннале

    Культурные события часто отражают и воплощают дух времени, в которое они приходятся. Пятое издание Киевской биеннале, проходящее в условиях военного положения в Украине после начала российской агрессии в 2022 году, стало ярким примером силы и выразительности искусства во времена масштабной трагедии и неопределенности.

    В 2022 году судьба биеннале казалась сложной. Многие кураторы и организаторы сомневались в возможности проведения выставочных мероприятий в условиях, когда война ставила под угрозу не только мир, но и культурные учреждения в Украине. Однако, вопреки всем трудностям и тяготам войны, организаторы приняли решение выпустить пятое издание Киевской биеннале.

    «Вместо того, чтобы отказаться от проекта и, таким образом, подчиняться логике войны, которая атакует все гражданское, Биеннале 2023 года опирается на свою основополагающую идею: быть многоцентровой инициативой в европейской, взаимосвязанной и солидарной форме», — говорят кураторы Киевской биеннале.

    Официальное открытие биеннале состоялось 4 октября с выставкой «The River Wailed Like a Wounded Beast» в киевском киноархиве Довженко-Центр. Остальные мероприятия проходят в выставочных залах не только Киева, Ивано-Франковска, Ужгорода, но и Берлина, Варшавы, Люблина и Антверпена. Главной сценой для Киевской биеннале выступает Вена, где до 17 декабря в Augarten Contemporary проходит основная выставка с участием более 50 художников со всего мира.

    Несмотря на позднее планирование основной программы биеннале, музеи и выставочные залы Вены, Варшавы, Берлина и Антверпена передвинули свои собственные проекты, чтобы предоставить место для украинских и международных художников, а также для дискурсивной, перформативной и образовательной деятельности. Кроме этого, в рамках Киевской биеннале европейские учреждения объединились в кураторский консорциум, чтобы совместно создать концептуальную основу для биеннале и разработать свои собственные программы.

    Основной акцент Киевской биеннале 2023 года — это исследование художественных образов, следственной документации и институциональной практики в контексте возможных стратегий выхода из тупика войны, авторитаризма и колониализма. Эти исследования исходят из того, что искусство и культура могут служить инструментами изменения общества и мышления.

    Выставка стала децентрализованной инициативой, которая подчеркивает важность многогранного подхода к культурным событиям. Это становится не только важным шагом в поддержке украинской культуры и художественных сообществ, но также «вводным жестом», который создает мосты и столпы для долгосрочных отношений с Украиной на личном и институциональном уровне. Эти отношения будут продолжаться даже после завершения мероприятий биеннале в январе 2024 года.

    Хочется отметить, что сегодня Киевская биеннале олицетворяет собой несгибаемую силу искусства и культуры в условиях военных конфликтов и неопределенности. Она позволяет украинским и международным художникам и кураторам выразить свои идеи и внести вклад в долгосрочное изменение культурного и политического ландшафта. Это подтверждение того, что искусство может быть не только зеркалом общества, но и двигателем изменений и путем создания мостов между разными культурами и нациями во времена трагедии и неопределенности.

    С подробной программой пятого издания Киевской биеннале можно ознакомиться на официальном сайте.


    Обложка материала: посетители рассматривают экспозицию выставки Киевской биеннале 2023 в Вене (Австрия). Фото: Christian Tietge/eSeL.at, 2023.

  • Ярмарка Asia Now 2023: в центре внимания Центральная Азия

    Ярмарка Asia Now 2023: в центре внимания Центральная Азия

    С 20 по 22 октября в Париже, в здании Монетного двора, пройдет девятое издание ярмарки современного азиатского искусства Asia Now. В центре внимания Центральная Азия.

    Участие в ярмарке примут две казахстанские галереи современного искусства: Pygmalion Gallery (Астана) и Aspan Gallery (Алматы). На стенде Aspan Gallery будут представлены работы Саодат Исмаиловой, Елены и Виктора Воробьевых, Гульнур Мукажановой и Диляры Каиповой. Pygmalion Gallery покажет произведения Дарии Нұртаза, Алибая Бапанова, Айданы Кулахметовой, Сауле Мадиевой, Алмагуль Менлибаевой и Сырлыбека Бекботаева. Однако, отметим, что это единственные галереи из Центральной Азии, которые представят свои стенды на Asia Now.

    Несмотря на это, центрально-азиатское искусство все же в центре внимания 9-го издания Asia Now, в рамках которого уже несколько лет проходит презентация кураторской выставки. В этом году известная художественно-исследовательская группа Slavs and Tatars, цель которой «изучение пространства между бывшей Берлинской стеной на Западе и Великой Китайской стеной на Востоке», представит выставку посвященную текстильным практикам Центральной Азии. Участие в выставке примут 14 художниц_ков: Асхат Ахмедьяров, Саид Атабеков, Алибай Бапанов, Наззы Беглари, Медина Базаргали, Сауле Дюсенбина, Мадина Жолдыбек, Диляра Каипова, Кубра Хадеми, Алмагуль Менлибаева, Гульнур Мукажанова, Назиля Нагимова, Азиза Шаденова, Гузель Закир.

    Ярмарка Asia Now 2023 объединит вокруг себя 65 галерей современного искусства и 220 художниц_ков из 26 азиатских стран. Она будет сопровождаться обширной общественной программой под художественным руководством Кэти Аллиу. Кроме этого, в эту неделю в Париже будет проходить масштабная ярмарка современного искусства Paris+ от Art Basel.

  • 10 исчезающих мозаик Алматы

    10 исчезающих мозаик Алматы

    Как часто вы обращаете внимание на то, что окружает вас? А как часто застаете себя за мыслями о той жизни, что неведома нам, которая всегда где-то там, далеко?

    Мы любим говорить о громком искусстве на Венецианской биеннале, посещать выставки репродукций Ван Гога, Моне, Босха и, конечно, внимательно следить за мировыми сводками новостей из Нью-Йорка, Лондона, Парижа, Милана. Ну, и, как сейчас модно, Дубая.

    А говорим ли мы о нас самих? Изучаем ли себя? Знакомы ли с искусством, которое окружает нас и вот-вот исчезнет раз и навсегда? Пытаемся ли остановить ход разрушительных событий?

    Американец Дэннис Кин вот уже более 10 лет проводит экскурсии по монументальному искусству Алматы, которое вызывает небывалый интерес не только у иностранных туристов, но и местных жителей. Забавно, что не все алматинцы знакомы и с половиной тех работ, которые собраны в проекте Дэнниса Walking Almaty.

    Он объездил почти весь Казахстан, чтобы создать доступную и открытую карту монументального искусства страны. Борется за сохранение искусства и готовит об этом уникальную книгу.

    Главный редактор Art of Her Рус Бикетов поговорил с Дэннисом Кином о состоянии мозаик в городе, сложностях доступа к информации и об отсутствии интереса местных в их сохранении в рамках презентации совместного проекта Art of Her и Walking Almaty «10 исчезающих мозаик Алматы».

    Дэннис Кин во время экскурсии. Фото из Instagram Walking Almaty

    Дэннис, я знаю, что будучи студентом в США, Вы изучали казахский язык. Расскажите, почему Вы решили учить казахский и когда впервые приехали в Казахстан?

    Я учился в школе и совершенно случайно наткнулся на программу обмена школьников. Тогда мне было 17 лет. По этой программе американские ученики могли отправиться в страны Европы, Мексику и… Казахстан. Я подумал, что это очень интересно, потому что большинство американцев очень мало знают о Казахстане. В школе я увлекался географией и уже что-то знал о стране, поэтому решил глубже изучить ее. В 2005 году я впервые приехал в Казахстан на 2 месяца, чтобы изучать казахский и русский языки. Для меня это было приятным открытием.

    После возвращения, я поступил в Калифорнийский университет на филологию и лингвистику. Два года изучал русский, а потом понял, что хочу изучать казахский, чтобы лучше понимать культуру Казахстана. Тексты о казахских традициях на русском языке были очень поверхностные, а мне хотелось больше узнать.

    После магистратуры я вновь вернулся в Казахстан и быстро понял, что в Алматы в основном говорят на русском (смеется).

    Дэннис Кин и Владимир Твердохлебов. Фото из личного архива Денниса

    Вы помните, как впервые столкнулись с мозаиками в Алматы?

    Наверное, первую мозаику я увидел на здании KIMEP University, так как я тогда там учился. У меня сразу возникли вопросы: кто автор, какие материалы, о чем мозаика? Но никакой информации не было.

    Позже, во время прогулок по городу, я находил много интересных мозаик, но нигде не было информации о работах. Спустя пять лет жизни в Алматы, я собрал достаточно большую коллекцию мозаик в Алматы. Мне казалось, что это так интересно, и о них можно много рассказать.

    Около 2-х лет я работал в библиотеках и архивах, встречался с художниками, чтобы узнать информацию. Так и запустил свой первый проект Walking Almaty, в рамках которого провожу экскурсии и запустил сайт, на котором собрана вся информацию об уличном монументальном искусстве.

    Сложно ли было найти информацию о мозаиках?

    Сложно. К сожалению, главный архив был у Союза художников, но он куда-то исчез. Там была вся документация, сейчас ее нет. В основном я работал в музее Кастеева. Мало кто знает, что у них есть своя библиотека. Очень крутая библиотека, где собраны книги и каталоги о казахском искусстве. Но в книгах было только около 20% всех мозаик Алматы.

    Мне пришлось искать художников, но их, к сожалению, не так много живых осталось. Мне посчастливилось познакомиться с художником-монументалистом Владимиром Твердохлебовым. Вместе мы разбирали мозаики, и по его воспоминаниям удалось собрать информацию об авторах.

    Всего в Казахстане мне удалось отыскать более 600 мозаик. Я был в каждом городе страны, кроме Атырау и Актобе.

    В каком состоянии мозаики в Алматы? Требуют ли они реставрации? Есть ли какой-нибудь орган, который следит за их состоянием?

    Никакой поддержки нет. И, честно говоря, не ожидаю от местных властей. Я вижу, что для них сохранение советского наследия – это не приоритет. Хотя для меня это не советское наследие. Это наследие Казахстана, казахстанских художников.

    Сами мозаики в печальном состоянии. Все зависит от хозяина здания, где она расположена. В основном люди не обращают на них внимание и не хотят платить за реставрацию. Очень много мозаик разрушается. Хотя есть и хорошие примеры – гостиница «Алматы» и Центр современной культуры «Целинный». Но на город таких примеров всего несколько.


    10 исчезающих мозаик Алматы

    Восточный календарь (автор: Владимир Твердохлебов, 1979-1980)

    Адрес: г. Алматы, ул. Шевченко, 28.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Управление водного хозяйства акимата Алматы постоянно отказывалось провести серьезную реконструкцию этого памятника, что было одним из последних пожеланий покойного художника Владимира Твердохлебова. Совсем недавно статуи красили в третий раз, когда краску нужно было снять. Мраморные постаменты и скамейки следует полностью заменить на новый, качественный мрамор, а внутреннюю сантехнику вернуть в первоначальный вид.


    Студенты (автор: Николай Цивчинский, 1968)

    Адрес: г. Алматы, ул. Айтеке би, 99А.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Мозаика в КазГосЖенПУ создана двумя самыми известными мозаичистами Алматы, но половина работы была закрашена где-то в 2000-х годах. Верхнюю половину теоретически можно восстановить, если аккуратно снять штукатурку и краску. За углом находится еще одна серия мозаик, которая находится в очень ветхом состоянии. Они требуют интенсивной реставрации опытным мозаичистом.


    Без названия (автор: Себастьян Киракозов)

    Адрес: г. Алматы, ул. Волочаевская, 359.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Во время последнего посещения одна из этих мозаик популярного местного художника Себастьяна Киракозова закрыта рекламным баннером и имеет серьезные повреждения: на целых панелях отсутствует смальта. Вторую мозаику с таким же успехом можно было бы замазать или повредить без надлежащего вмешательства.


    Наука и октябрь (автор: Виктор Константинов, 1967)

    Адрес: г. Алматы, пр. Достык, 104.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Рельеф восточной стороны кинотеатра «Арман» закрыт деревянным навесом для кафе, построенным в 2022 году, а проведению большой части работ мешает растущее рядом дерево. Дерево можно удалить (пересадить в другом месте или пожертвовать другие саженцы), а открытое пространство можно спроектировать так, чтобы оно включало классический барельеф, а не загораживало его.


    Без названия (авторы: Евгений Сидоркин и Генрих Дандерфер, 1972-1973)

    Адрес: г. Алматы, ул. Тулебаева, 185.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Этот барельеф, созданный Сидоркиным по иллюстрации к произведениям Ауэзова, находится в прекрасном состоянии, но недавно был закрашен радужными красками во время реконструкции Дома-музея Ауэзова. Произведения монументального искусства должны быть сохранены в первозданном виде, а краска удалена.


    Без названия (автор: неизвестен)

    Адрес: г. Алматы, ул. Манаса, 22Б.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Это сграффито, возможно, работа культовых алматинских монументалистов Кенбаева и Цивчинского, находится в плохом состоянии и в прошлом местами было частично закрыто рекламными баннерами. Из-за особенностей сграффито работу, вероятно, придется снять и переустановить, используя штукатурку более высокого качества.


    Без названия (автор: Евгений Сидоркин, 1961)

    Адрес: г. Алматы, 2-й микрорайон, 40А / ул. Куанышбаева, 40А.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Это историческое сграффито, старейшее в городе, выполнено известным художником-графиком Евгением Сидоркиным, но частично прикрыто системой вентиляции. Вентиляцию следует убрать, сграффито восстановить, а рядом с произведением поставить историческую мемориальную доску.


    Без названий (авторы: неизвестны)

    Адрес: г. Алматы, ул. Омарова, 35.

    Эта большая мозаика (самая большая в Алматы) и витраж (тоже самый большой в городе) расположены на закрытом для посещения комплексе телебашни Кок Тобе. Телебашня должна быть открыта для публики, как первоначально предполагалось, в соответствии с международными стандартами и другими телебашнями бывшего СССР, например, в Ташкенте.


    Одевание невесты (авторы: Молдахмет Кенбаев и Николай Цивчинский, 1966)

    Адрес: г. Алматы, ул. Кунаева, 43.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Витраж в Сымбате в настоящее время планируется убрать во время ремонта. Владельцы здания обещают переустановить стекла, но необходим общественный контроль, чтобы гарантировать, что самый старый витраж в Алматы не будет разрушен.


    Без названия (авторы: Борис Анисимов, Владимир Твердохлебов, А. Зиненко, 1985)

    Адрес: г. Алматы, ул. Курмангазы, 29.

    Фото предоставлено Walking Almaty

    Эта фреска когда-то украшала стены зимнего сада Дома учёных Академии наук, но во время ремонта 2000-х годов, видимо, была закрыта стеклянными зеркалами. Если фрески под зеркалами сохранились, их следует отреставрировать. В Академии сейчас идет интенсивная реконструкция, но планы зимнего сада не обнародованы.


    Обложка: Instagram Monumentalalmaty.

  • «Художник часто бывает визуализатором будущего» – Гуля Громова о своей персональной выставке «Этот безумный прекрасный мир»

    «Художник часто бывает визуализатором будущего» – Гуля Громова о своей персональной выставке «Этот безумный прекрасный мир»

    7 сентября в Государственном музее искусств РК им. А. Кастеева открывается персональная выставка Гули Громовой «Этот безумный прекрасный мир». Это второе персональное шоу узбекской художницы в алматинском музее, первое прошло в 2018 году.

    В экспозиции будут представлены 27 новых полотен, объединенных в три тематические серии: «Летопись нового времени», «Цветные тени», «Реальные люди». В своих работах Гуля Громова осмысляет подлинную и виртуальную жизнь героев (вымышленных и реальных) в эпоху интернета, пытается разобраться в настоящих и мнимых ценностях в период новой этики, размышляет о новых реалиях и правилах игры (жизни).

    «Безумие и красота мира приобретает в интерпретации Громовой характер яркой фантасмагории, глубокого осмысления и точечного раскрытия психологии каждого героя. Здесь достаточно места для самолюбования, бесконечного пиара, гротескной символики и сцен из апокалиптических сюжетов. Заострение внимания зрителя на отдельных сюжетах – это желание художника раскрыть суть происходящего в жизни каждого человека и зафиксировать быстро сменяющие друг друга мгновения нашей эпохи», – поделилась куратора выставки Екатерина Резникова.

    Главной идеей новой выставки художницы стали размышления о стремительно меняющемся мире, о глобальных изменениях, об утере старых ориентиров и зарождении новых реалий. Прежние представления обрушились, нормы и правила обветшали, мир погрузился в тотальную неопределенность, а человечество, отягощенное бременем прошлого, с тревогой взирает в неизвестное будущее.

    Перед открытием предстоящей выставки Art of Her поговорил с Гулей Громовой о безумно прекрасном мире, бесконечном потреблении и правилах, которые стоит нарушить, чтобы добиться чего-то в жизни.

    Гуля Громова, «‎Заглядывая в Бездну»‎‎, 2023 г.

    Название выставки – «Этот безумный прекрасный мир». Мир действительно сегодня по-особенному безумен. Отыскать в нем что-то прекрасное становится все сложнее. Как вам удается это увидеть и что для вас безумие сегодняшнего мира?

    Ну, безумие сегодняшнего мира – это, наверное, состояние хаоса. Раньше был мир, в котором были какие-то установленные правила игры, правила жизни. Сейчас все эти правила разрушены. Никто не знает, по каким правилам существовать в этом обществе. Начинаешь что-то одно, а уже через неделю все меняется. Разваливаются религии, государства, морально-этические устои. Раньше, я думала, что только я это так воспринимаю, но, как оказалось, это ощущение преследует очень многих людей.

    Однако, прекрасное всегда есть и его больше. Человек создал много красивых вещей, да и сами люди очень прекрасны. Главное – разглядеть это в пучине хаоса, поймать верный ориентир.

    Ваши новые работы, как вы сами говорите, выполнены в поп-сюрреализме. Конечно, мы сразу вспоминаем поп-арт Энди Уорхола, который говорил о безумном потребительском обществе. В ваших работах мы тоже видим известных поп-звезд, моделей и блогеров: Моргенштерн, Пэрис Хилтон, Елена Перминова, Лилия Рах и др. Это про то же, что и пытался донести Уорхол?

    Впечатления от мира сегодняшнего. Безумие, трэш и красота. И люди, которые как символы представляют этот хаос смерти старого и рождения нового, ещё непонятно какого именно. Люди из Instagram, бесконечные повторения, клоны, красивая красота после фильтров и ретуши. И в тоже время есть в этом всем что-то детское: желание радости, счастья, мира, творчества, любви, нужности. Публичные личности – это новые примеры для подражания.

    Гуля Громова, «‎Счастлива я, сон ли это?»‎‎, 2023 г.

    Ваши герои, это пример того, что порой нужно нарушить правила, жить по-другому, пойти против системы. И вы, как бы, восхищаетесь ими, но одновременно боитесь этих новых устоев. Я уверен, что и вам, как художнице, приходится их тоже нарушать. Есть ли у вас те правила, за которые вы всегда держитесь?

    Мои личные правила всегда были, есть и будут со мной. Они особо не менялись. Моё самое главное правило жизни – принятие всего нового. Я прекрасно помню себя в 20 лет, я тоже хулиганила и, наверное, до сих пор продолжаю это делать. Но есть основные правила, которые должны быть у всех людей – не причинять другому человеку вреда, стараться не говорить плохое, не смотреть на плохое и не множить зло.

    Нужны ли художникам эти правила?

    Мне кажется, что художник часто бывает визуализатором будущего. Я вот, недавно, слушала лекции про фондовый рынок, и там говорят: «А почему он обваливается? Потому что появляется человек, который берет и прогнозирует обвал рынка. Что происходит? Все остальные его слушают и начинают скидывать акции. Так обвал фондового рынка и происходит». Я думаю, что в искусстве тоже самое. То, что ты транслируешь людям, вполне может оказаться реальностью. Все-таки для меня поп-искусство – это позитивное искусство. Конечно, это очень рафинированная красота в этом безумном мире. Она может быть не со вкусом, очень яркой, самовлюбленной. Но это позитивный настрой.

    Почему-то считается, что яркие работы создают глубоко депрессивные люди…

    Ну… Я бы так не сказала. Однозначно, эта серия работ поп-сюрреализма возникла, как моя реакция на «не хочу смотреть на плохое, а хочу смотреть на хорошее». Работать над ней я начала во время пандемии коронавируса. Мне захотелось создать некий альтернативный мир. Я где-то читала, что в художники идут те, кто не может оказать влияние на внешний мир, поэтому они создают свой альтернативный мир в картинах.

    Гуля Громова, «‎Почка Моргенштерна, или письмо Элвису»‎‎, 2023 г.

    Персональная выставка Гули Громовой «Этот безумный прекрасный мир» откроется 7 сентября в 16:00 и продлится до 17 сентября 2023 года.

    Адрес: г. Алматы, мкр. Коктем–3, д. 22/1 (Государственный музей искусств им. А. Кастеева).

    Вход платный: от 200 до 500 тенге.

    График работы: вторник-воскресенье с 10:00 до 18:00.

    Гуля Громова — родилась в Фергане (Узбекистан). С 2007 года живет и работает в Алматы (Казахстан). Закончила Республиканское художественное училище им. П.П. Бенькова (Ташкент) и Ташкентский Театрально-художественный институт. Является членом Международной Федерации Художников (IFA) и Союза художников Узбекистана. Выставлялась в более 10 групповых и 6 персональных выставках в Узбекистана, Казахстане и России. Работы находятся в частных коллекциях Узбекистана, Казахстана, России, Соединённых Штатах Америки, Франции, Германии, Турции, Греции.

  • ОАЭ – страна поэтов и новый центр современного мирового искусства

    ОАЭ – страна поэтов и новый центр современного мирового искусства

    Объединенные Арабские Эмираты становятся знаковым местом для современного мирового искусства. Арабы вкладывают деньги не только в развитие технологий и строительство сказочного оазиса в пустыне, но и в культуру и искусство. Неудивительно, что Дубай называют новой столицей современного искусства и мировым хабом культур. Уже в ближайшие годы он может стать главным центром притяжения всех ключевых игроков арт-рынка.

    Культура и искусство для арабов занимают особое место. Главное тому подтверждение – древняя бедуинская поэзия набати. Важный элемент культуры в повседневной жизни региона, она использовалась для объявления войны, поиска мира и разрешения племенных споров. Это не просто форма культуры, но и коммуникации между людьми до 20 века. Сейчас поэзия набати переживает возрождение и является одним из самых популярных направлений в ОАЭ.

    В 2022 году стартап Remitly провел исследование поисковых запросов Google на всех языках и выявил о каких профессиях мечтают люди в разных странах. В Объединенных Арабских Эмиратах большинство людей мечтают стать не IT-специалистами, профессорами, предпринимателями, блогерами или актерами – то, что популярно в мире, – они мечтают стать поэтами. Желание познать стихосложение и пропитать им свою жизнь – важный показатель того, насколько важно арабам реализовать себя в искусстве и культуре.

    Современные Эмираты наполнены качественными исследовательскими арт-институциями, масштабными арт-ярмарками, серьезными галереями и музеями. Настоящий оазис для тех, кто в поисках новых открытий и свершений человека.

    Главный редактор Art of Her Рус Бикетов подготовил подборку главных арт-событий, музеев и галерей в Объединенных Арабских Эмиратах, которые обязательно нужно посетить, если вы окажетесь в той части света.


    Биеннале современного искусства в Шардже

    Азиза Шаденова, «Заветные тени», 2022 год. Фото: Шанавас Джамалуддин.

    Биеннале современного искусства в Шардже – это одно из главных арт-событий уже не только ОАЭ, но и всего мира, которое проходит один раз в два года. Этот один из старейших арт-смотров региона, существующий с 1993 года, смог завоевать авторитет среди ведущих деятелей искусства. Уже в 1998 году Шарджа была признана ЮНЕСКО культурной столицей арабского мира.

    В этом году биеннале отмечала своё тридцатилетие. Кураторка Хоор Аль Касими в основной теме выставки призывала обратить взгляд на отношение к национальности, традиции, расе, полу, телу и воображению в настоящем времени, как на результат периода прошлого. Участие в юбилейной биеннале приняли 150 художников из 70 стран, включая Алмагуль Менлибаеву из Казахстана и Саодат Исмаилову из Узбекистана.

    Площадкой для проектов биеннале в Шардже становятся не только галереи, а практически любое пространство, которое готово вступить в диалог с современным искусством. Это событие посещает десятки тысяч начинающих и успешных арт-дилеров, кураторов, галеристов и других деятелей искусств со всего мира.


    Art Dubai

    Art Dubai — крупнейший ежегодный арт-форум в ближневосточном регионе. Организаторы называют его «самой глобальной из всех арт-ярмарок мира». И им действительно есть чем похвастаться. В этом году на ярмарке выступили более 130 галерей из 40 стран. География здесь очень обширна и постоянно расширяется: США, Европа, Турция, Индия, Иран, Узбекистан, Казахстан, Грузия, Филипинны, Шри-Ланка и др. Очень заметно растет число галерей из ОАЭ.

    Но особый интерес Art Dubai привлекает региональной спецификой. Коллекционеров, галеристов, дилеров со всего мира привлекает возможность познакомиться с работами молодых и именитых деятелей с Ближнего Востока, Северной Африки, Юго-Восточной Азии, Центральной Азии. И не зря. Этот сегмент рынка динамичен и уверенно растет в цене.


    Louvre Abu Dhabi

    В 2017 году в Абу-Даби открылся один из знаковых художественных музеев региона – Лувр Абу-Даби. Эмир Абу-Даби Мухаммад ибн Зайд аль-Нахайян заплатил $525 миллионов за то, чтобы музей ассоциировался с именем Лувра, и еще $747 миллионов в обмен на ссуды на искусство, специальные выставки и советы по управлению.

    Здание с ажурным куполом на острове Саадият, как будто парящее над морем, спроектировал архитектор Жан Нувель. Это впечатляющий симбиоз современной архитектуры и арабских традиций: суперсовременная конструкция купола состоит из 7850 звезд, расположенных на восьми уровнях под разными углами. Благодаря этому залы музея буквально окутаны светом. 

    В коллекцию музея вошли экспонаты различных эпох и цивилизаций, в том числе картины Леонардо да Винчи (Спаситель мира), Пикассо, Гогена, Мане, Магритта, Беллини. Лувр Абу-Даби показывает около 300 экспонатов из Лувра, Центра Жоржа Помпиду и Версаля. В музее спроектированы различные тематические залы, где выставлены древние артефакты разных стран: Китая, Индии, Ирака, Конго и т. д.


    Alserkal Avenue

    Всемирноизвестный квартал Alserkal Avenue начал свою историю в 2008 году, когда на территории промышленных складов разместились первые 20 художественных галерей. Сегодня это один из самых быстроразвивающихся и масштабных культурных комплексов в регионе.

    На территории квартала расположено более 70 арт-площадок, включая такие постоянно действующие экспозиции, как многофункциональный центр Concrete, который стал первым проектом всемирно известного голландского архитектурного бюро OMA в ОАЭ. Галерея Ayyam Gallery открылась здесь одной из первых. Она оказывает активную поддержку сирийским художникам, чьи работы затрагивают такие острые темы, как война и национальная идентичность.

    Одна из основных задач комплекса — не просто показать современное искусство в регионе, но также создать художественный квартал, похожий на Шордич в Лондоне (Великобритания) или Митпэкинг в Нью-Йорке (США). 


    Jameel Arts Centre

    Один из первых центров современного искусства Дубая открылся в 2003 году. Он является частью общественной организации Community Jameel, созданной потомками бизнесмена и мецената Абдулы Латифа Джамиля. Фонд занимается продвижением современного искусства в странах Ближнего Востока, Северной Африки, Турции.

    Jameel Arts Centre — это творческий кластер, где могут работать и выставлять свои произведения художники и кураторы. Внутри несколько уровней галерейного пространства, библиотека с коллекцией книг об арабском искусстве и культуре, а также инсталляция «Электрический ботанический сад» на крыше. Снаружи создан первый парк скульптур со множеством работ на тему природы и ее трансформации.


    Оblong Contemporary Art Gallery

    Галерея современного искусства Oblong специализируется на продвижении современного искусства известных и начинающих художников со всего мира. Первоначально возникнув как творение двух итальянских художниц, пространство стало симбиозом новейшего творчества итальянских и арабских деятелей. Объединяя особенности культур и традиции двух народов, Oblong служит мостом между творчеством ОАЭ и Италией.